Japonisme

Début : 1854

Fin : 1920

Les débuts du Japonisme

Précédents

Le japonisme s'est appuyé sur les influences orientalistes qui étaient omniprésentes dans l'art néoclassique et romantique européen. La mode aristocratique du XVIIIe siècle pour la chinoiserie, basée sur l'art chinois importé, a fusionné avec les styles appris de l'expansion coloniale française au Moyen-Orient et en Afrique du Nord. Dans la première moitié du XIXe siècle, des artistes aussi variés qu'Eugène Delacroix et Jean-Auguste-Dominique Ingres se sont tournés vers les sujets orientalistes, développant des scènes dramatiques intensément colorées comme dans La mort de Sardanapale (1827) de Delacroix ou reconfigurant les œuvres figuratives avec des traitements sensuels comme La Grande Odalisque (1814) d'Ingres.

L'Exposition internationale de 1862 - L'ambassade japonaise à l'Exposition internationale, tiré de l'Illustrated London News (24 mai 1862) représente une délégation japonaise arrivant à l'Exposition internationale.

Le Japon, isolé depuis 1633 (à l'exception de ses contacts avec les Hollandais), a été contraint d'accepter des accords commerciaux internationaux après l'arrivée, en 1852, du Commodore Matthew Perry et de la marine américaine. La Convention de Kanagawa de 1854 a imposé les échanges internationaux et, par conséquent, les œuvres d'art et les objets d'art japonais ont été largement importés en Europe. Cela a permis de découvrir une nouvelle histoire de la production artistique, notamment le format des estampes Ukiyo-e. Les collectionneurs se sont empressés d'acquérir et d'exposer des objets japonais, tandis que le prix abordable de nombreuses estampes a encouragé les artistes à les collectionner.

Félix Henri Bracquemond en France

L'artiste français Félix Henri Bracquemond était principalement connu au début des années 1850 pour ses gravures, qui comprenaient des paysages, des portraits et des études d'oiseaux. Il a également été célèbre pour ses interprétations en série de tableaux d'artistes tels que Gustave Moreau et Jean-Baptiste-Camille Corot, créant des reproductions abordables qui ont lancé un renouveau de la gravure et de l'eau-forte en France.

 

Dans les premiers temps du commerce, des estampes japonaises bon marché étaient souvent utilisées pour emballer la porcelaine en vue de son expédition. En 1856, Bracquemond a découvert la manga de Hokusai (1814) dans la boutique de son marchand, où elle avait été incluse comme simple matériau d'emballage. Alors qu'aujourd'hui le terme "manga" est utilisé pour désigner les bandes dessinées, il s'agissait d'un album de gravures sur bois de Katsushika Hokusai représentant des paysages, des oiseaux, des fleurs et des scènes de la vie quotidienne. Bracquemond était particulièrement attiré par les croquis d'Hokusai dans le style du Kachô-ga, un genre japonais, qui capturait des spécimens individuels de fleurs et d'oiseaux dans les moindres détails.

Deux pages de Denshin Kaisu : Hokusai Manga (Transmettre l'esprit et révéler la forme des choses : Dessins aléatoires de Hokusai), (1814) illustrent ses croquis de divers oiseaux.

Lorsque Bracquemond reçoit en 1860 une commande d'Eugène Rousseau pour créer de la vaisselle, il s'inspire des estampes japonaises, notamment de  Manga de Hokusai, des Peintures de fleurs et d'oiseaux de Taito (1848) et de la Grande série de poissons de Hiroshige (1830). Son Service Rousseau (vers 1867) a été l'une des premières œuvres à mettre en valeur l'inspiration de l'art japonais. Le service a connu un énorme succès et a été présenté à l'Exposition universelle de Paris de 1876 et à l'Exposition du centenaire de Philadelphie (la même année) en tant qu'exemple de porcelaine française. Bien qu'il puisse sembler incongru de présenter un travail aussi fortement redevable aux sources japonaises comme un exemple d'art français, les contemporains considéraient les deux traditions comme totalement compatibles. Le poète Stéphane Mallarmé a notamment fait l'éloge du Service Rousseau en tant qu'expression de la sensibilité artistique française. Ainsi, dès le début, l'art et le design japonais n'ont pas été considérés comme l'intégration d'éléments étrangers, mais comme l'expression des impulsions et du développement artistiques européens.

Le Service Rousseau de Bracquemond (vers 1867) reprend la composition asymétrique et les images de 200 fleurs, oiseaux et papillons d'Hokusai.

Bracquemond était également connu pour ses gravures, et la plupart d'entre elles représentaient des animaux ou des paysages, comme son Roseau et sarcelles (1882). Son travail a encouragé un certain nombre d'artistes, dont Édouard Manet, Camille Pissarro et Edgar Degas, à explorer les possibilités artistiques de la gravure. Il devient l'un des membres fondateurs de la "Société du Jing-lar", un groupe réuni par leur admiration du japonisme, qui comprend Henri Fantin-Latour, Marc-Louis Solon et Carolus Durgan. Bracquemond était également un auteur influent ; son livre Du dessin et la couleur (1886) a joué un rôle important pour la génération suivante d'artistes, dont Vincent van Gogh.

Édouard Manet : Portrait d'Émile Zola (1868)

Le style anglo-japonais en Grande-Bretagne

À la suite d'une exposition d'art et d'objets japonais à Londres en 1851, les artistes et collectionneurs britanniques ont commencé à être fascinés par ce que l'on a appelé le style "anglo-japonais". En effet, cette exposition a eu un impact si immédiat et si fort que le Museum of Ornamental Art (aujourd'hui connu sous le nom de Victoria and Albert Museum) a commencé à acquérir des objets japonais en 1852, ajoutant principalement des œuvres en porcelaine et en laque à sa collection permanente. Au cours de la décennie suivante, des expositions d'art japonais ont eu lieu dans toute la Grande-Bretagne, en Irlande et en Écosse, alimentant l'enthousiasme du public et de la communauté artistique pour ce style.

Buffet : Edward William Godwin 1867-70 

L'exposition internationale de Londres de 1862 a présenté une large sélection d'œuvres d'art japonaises, ainsi que des œuvres de designers britanniques, tels que Christopher Dresser et Edward William Godwin, qui ont intégré le design japonais. Cette esthétique, qui se caractérise principalement par des formes rectangulaires ébonisées et peu décorées, est connue sous le nom de style anglo-japonais. Le mouvement esthétique s'est développé à la même époque et les deux styles se sont fortement influencés l'un l'autre. Par exemple, la composition tonaliste de James McNeill Whistler, Harmonie en or et bleu : The Peacock Room, illustre également le mouvement esthétique et le style anglo-japonais. Ces orientations artistiques conduiront également aux mouvements Arts and Crafts et Art Nouveau.

Tirée de l'Illustrated London Times (20 septembre 1962), cette illustration, The International Exhibition of 1862 - Japanese Court (Exposition internationale de 1862 - Cour japonaise), montre un homme et ses deux enfants regardant un étalage d'objets japonais (à l'arrière-plan apparaît un étalage du Siam).

James Whistler : Harmonie en bleu et or : La chambre du paon (1876-77)

Ukiyo-e

L'Ukiyo-e, ou "images du monde flottant", désigne un genre d'estampes japonaises sur bois. Ces estampes peu coûteuses étaient produites dans des styles variés, certaines utilisant uniquement de l'encre noire, tandis que d'autres utilisaient des couches de couleur ou ajoutaient des matériaux tels que des paillettes de métal ou de la colle pour créer des surfaces texturées, chatoyantes ou ressemblant à de la laque. Considéré comme une forme d'art modeste destinée aux marchands et aux ouvriers, l'ukiyo-e a vu le jour en 1670, mais est rapidement devenu une forme d'art réputée à la fois pour son attrait pour le commun des mortels et pour sa qualité artistique.

L'œuvre de Katsushika Hokusai intitulée Sous la vague au large de Kanagawa (vers 1830-32), tirée de la série des Trente-six vues du mont Fuji, est mondialement connue pour son dessin saisissant, sa perspective originale et sa palette de couleurs délicatement équilibrée.

Les œuvres des grands maîtres de l'ukiyo-e, Kitagawa Utamaro, Utagawa Hiroshige et Katsushika Hokusai, ont eu un impact considérable sur les artistes européens. Certains artistes, comme Henri de Toulouse-Lautrec, étaient particulièrement attirés par les estampes japonaises décrivant la vie nocturne urbaine et ses habitants célèbres ou notoires. Utamaro, connu principalement pour ses estampes de belles femmes japonaises, a influencé des artistes comme Whistler. D'autres, comme Edgar Degas, s'intéressaient davantage aux stratégies de composition et à la représentation de personnages dans des poses non conventionnelles. L'œuvre d'Hiroshige, qui se concentre sur les paysages et les scènes de la vie ordinaire (contrairement aux représentations plus courantes de célébrités et de scènes de ce que l'on appelait le "quartier des plaisirs" de Tokyo), a influencé des artistes impressionnistes et post-impressionnistes comme Vincent van Gogh. En effet, van Gogh a fait de nombreuses copies des images des Cent vues célèbres d'Edo (1856-58) de Hiroshige. Certaines œuvres sont devenues très populaires : La Grande Vague au large de Kanagawa de Hokusai (vers 1831), une œuvre emblématique, est devenue connue dans le monde entier et reste très populaire.

Henri de Toulouse-Lautrec: Japanese Divan (1892-93)

La Porte Chinoise

Pour répondre à la demande des consommateurs, de nombreux petits magasins et salons de thé commencent à vendre des objets japonais au début des années 1860. La Porte Chinoise devient une destination et un centre artistique. Ayant vécu au Japon, le marchand français E. de Soye ouvre en 1863 à Paris un magasin spécialisé dans les importations en provenance du Japon, de la Chine et d'autres pays asiatiques. Des artistes français comme Édouard Manet, James Tissot, Théodore Duret et Henri Fantin-Latour fréquentaient le magasin, tout comme les artistes britanniques Dante Gabriel Rossetti et Whistler. Un grand nombre d'éventails, de paravents, de textiles et de porcelaines que Whistler a inclus dans ses peintures telles que Variations in Flesh Colour and Green : Le balcon (1864-79). Il est intéressant de noter que des rivalités ont parfois éclaté, les artistes rivalisant pour acheter ou réserver les meilleurs objets ; Rossetti s'est plaint en 1864 que Tissot avait acheté tous les kimonos de la boutique.

 

Siegfried Bing et l'Art nouveau

Initialement initié aux estampes japonaises par Bracquemond, le marchand d'art franco-allemand Siegfried Bing commence à importer des objets d'art japonais dans les années 1870 ; reconnaissant la demande pour ce style, il engage des artistes et des designers pour créer des œuvres de style similaire.

Couverture de Siegfried Bing pour un numéro du Japon artistique ; documents d'art et d'industrie (1888-91).

Bing a lancé la revue Le Japon artistique : documents d'art et d'industrie en 1888. Le magazine a promu l'art et les objets d'art japonais auprès d'un public international. Il a été publié mensuellement en anglais, en français et en allemand, jusqu'à sa disparition en 1891. Son influence a été considérable, touchant les œuvres tardives des artistes préraphaélites, des post-impressionnistes (comme Vincent van Gogh, qui a été brièvement engagé pour promouvoir le magazine) et de la nouvelle génération d'artistes tels que le sécessionniste viennois Gustav Klimt.

Vincent van Gogh : Portrait du Père Tanguy (1887)

Gustav Klimt : Dame à l'éventail (1917-18)

Après l'effondrement du magazine, Bing fonde en 1895 la Maison de l'Art Nouveau, une galerie où il vend et promeut l'art japonais aux côtés de beaux-arts et d'objets décoratifs contemporains d'Édouard Vuillard, Edward Colonna, William Benson, George de Feure, Eugène Gaillard, Henry van de Velde et Louis Comfort Tiffany.

La photographie d'Édouard Pourchet, Hôtel Bing (1895), représente la vue de la rue de la Maison de l'Art nouveau de Bing. Conçue par le célèbre architecte Louis Bonnier et dotée de fenêtres dessinées par Toulouse-Lautrec et réalisées par Louis Comfort Tiffany, cette boutique a donné son nom au mouvement de l'Art nouveau.

L'influence de Bing a été la plus importante sur le développement de l'Art nouveau, car son magazine, ses galeries et sa participation à des expositions ont permis d'associer son enthousiasme pour le japonisme aux tendances stylistiques qui émergeaient dans toute l'Europe. La combinaison qui en résulta fut connue sous le nom d'Art nouveau, inspiré (en partie) par le nom de la galerie de Bing.

Japonisme : Concepts, styles et tendances

Peinture

C'est peut-être dans la peinture que le japonisme a eu l'impact le plus important et le plus profond. Les fondements de l'art moderne, en particulier l'accent mis sur la surface aplatie et décorative, reposent sur les innovations trouvées dans les gravures sur bois japonaises. Arrivée au moment où les artistes cherchaient de nouvelles façons de représenter leur monde et de rompre avec la tradition de la Renaissance occidentale, l'esthétique japonaise a joué un rôle majeur dans le développement de l'impressionnisme, du post-impressionnisme, de l'esthétisme, de l'art nouveau et du tonalisme ; elle a également influencé les membres des groupes préraphaélites et nabis. Pratiquement tous les impressionnistes ont été influencés par les estampes ukiyo-e, inspirées par les sujets quotidiens, la palette limitée et les aplats de couleurs, la composition asymétrique et les points de vue inattendus. La vaste collection d'estampes de Claude Monet est aujourd'hui visible dans sa maison-musée de Giverny, en France ; Vincent van Gogh et Auguste Rodin ont également amassé d'importantes collections d'estampes.

En tant qu'autodidacte, Vincent van Gogh copiait souvent des images pour les étudier. Dans son Pont sous la pluie (d'après Hiroshige) (1887), il a accentué les contrastes de couleurs et ajouté un cadre peint fantaisiste, mais a conservé la composition de l'original Douche soudaine sur le pont de Shin-Ōhashi et Atake, comme le montre l'image de droite.

Parmi les post-impressionnistes, van Gogh, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Georges Seurat, Camille Pissarro et Paul Cézanne ont tous été influencés par les gravures sur bois. La série de peintures de Cézanne représentant le Mont Saint-Victoire (vers 1886-88) montre la montagne au loin avec des arbres l'encadrant au premier plan, comme le Fuji vu de la plantation de thé de Katakura dans la province de Suruga (vers 1830-31) de Hokusai. Même les versions répétées de ce sujet par Cézanne sont parallèles à la répétition de Hokusai dans Trente-six vues du mont Fuji. Les représentations de personnages aux poses décontractées, communes aux images d'Hokusai, ont influencé le travail figuratif d'Edgar Degas et de Mary Cassatt, ainsi que les portraits de Toulouse-Lautrec des habitants de la vie nocturne parisienne. L'espace pictural plat, la composition rectiligne et les gestes exagérés du tableau néo-impressionniste Le cirque (1889) de Seurat ont tous été influencés par les estampes japonaises.

Edgar Degas : Danseuses dans la salle de répétition (1882-85)

Mary Cassatt : La caresse maternelle (1890-91)

En Angleterre, Whistler brouille les frontières entre le Tonalisme, l'Esthétique et les styles anglo-japonais, faisant écho aux estampes d'Hokusai dans des œuvres telles que Nocturne : Bleu et or - Vieux pont de Battersea (1872-75). Edward Burne-Jones et Dante Gabriel Rossetti, qui font partie du groupe préraphaélite tardif, ont incorporé des éléments dans leurs œuvres, comme la planéité et la composition verticale en gradins de La Nativité (1887) de Burne-Jones. Elle a également influencé l'esthétique d'inspiration japonaise de l'estampe de Beardsley, Peacock Skirt (1894).

L'architecture

Le design japonais a influencé un assortiment international d'architectes. En Angleterre, Edward William Godwin a joué un rôle de premier plan dans le développement du style anglo-japonais. Parmi les premiers à adopter des éléments du design japonais dans ses bâtiments et intérieurs esthétiques, il a construit The White House (1877-78) comme résidence privée pour Whistler. Les contours simplifiés et les formes rectilignes des estampes japonaises ont également joué un rôle important dans la conception de Louis Bernard Bonnier pour la Maison de l'Art nouveau de Bing (1895).

Une photographie de la Maison Blanche, conçue par Godwin pour Whistler en 1877-78.

Le style Prairie School de Frank Lloyd Wright a été influencé par l'architecture japonaise, qu'il a rencontrée pour la première fois lors de l'Exposition universelle de 1893 à Chicago. Lors d'un voyage au Japon en 1905, il a collectionné des centaines d'estampes qui ont inspiré les formes rectangulaires et les éléments simplifiés de ses projets. Dans son livre The Japanese Print (1912), il explique : "Un artiste japonais saisit toujours la forme en atteignant sa géométrie par le bas". Il a également été profondément influencé par la philosophie japonaise selon laquelle un bâtiment doit être ouvert à son environnement et en faire partie. Marion Mahony Griffin, qui a travaillé avec Wright pendant quinze ans, a également intégré des éléments japonais dans ses projets ultérieurs pour la ville de Canberra en Australie et, par la suite, en Inde.

 Projet pour la résidence Frederick C. Robie  par Frank Lloyd Wright -1910

Le design

Le japonisme a influencé presque toutes les facettes du design européen de la fin du XIXe siècle, de la vaisselle au mobilier en passant par la haute couture. À la suite de la première exposition d'œuvres japonaises à Londres en 1851, des créateurs anglais comme Godwin et Christopher Dresser ont commencé à intégrer le design japonais dans leurs créations de meubles et d'articles ménagers. C'est à Dresser que l'on doit le premier meuble anglo-japonais : une chaise ébonisée exposée à l'Exposition internationale de 1862 en Angleterre. Harmony in Yellow and Gold - The Cloud Cabinet (vers 1878), conçu par Godwin et peint par Whistler, est un exemple remarquable des styles anglo-japonais et esthétique. James Hadley a utilisé des éléments picturaux japonais dans ses créations pour la porcelaine Royal Worcester.

À Paris, les textiles, les meubles, la vaisselle et les objets de décoration intérieure imprégnés d'éléments japonais deviennent omniprésents. En 1867, le Journal des demoiselles, magazine de mode, fait la promotion de vêtements "à la japonaise" et l'écrivain Émile Zola remarque que les grands magasins parisiens vendent même des parapluies de style japonais.

Développements ultérieurs - Après le japonisme

Le japonisme s'est estompé au début des années 1900 avec l'arrivée des abstractions modernistes d'avant-garde, bien que la montée du primitivisme puisse être liée à son rôle dans la popularisation des sources non occidentales. Les Demoiselles d'Avignon (1907), œuvre proto-cubiste de Picasso, ou la Danse fauve (1910) de Matisse, peuvent être considérées comme s'inscrivant dans le sillage des générations précédentes qui s'étaient tournées de la même manière vers les œuvres japonaises et asiatiques. De nombreux artistes, suivant l'exemple de Gauguin, se sont tournés vers les œuvres d'art de ce qui était alors considéré comme des cultures "primitives", étudiant les masques et les statues africaines et incorporant leurs éléments et principes dans un idiome moderne.

Paul Gauguin : Nature morte avec gravure sur bois japonaise (1889)

Certains spécialistes ont suggéré qu'en tant que graveur japonais le plus souvent imité, Hokusai pouvait être considéré comme un "père" implicite de l'art moderne occidental, puisque le tonalisme, l'impressionnisme, le post-impressionnisme, l'art nouveau et le mouvement esthétique ont été influencés par les larges plans de couleur, les compositions asymétriques, les formes rectilignes, les poses non conventionnelles et les sujets quotidiens de ses estampes.

Les Nocturnes de Whistler peuvent être considérés comme le début d'une évolution vers l'abstraction, et sa Peacock Room a influencé la pensée de Robert Motherwell, de David Smith et, plus tard, d'artistes conceptuels comme Darren Waterson dans la création d'un espace immersif qui cherche à envelopper le spectateur.

Childe Hassam : Tanagra (The Builders, New York) (1918)

L'architecture influencée par le Japon de Frank Lloyd Wright a reconfiguré la conception architecturale, et le style anglo-japonais, pratiqué par Godwin et Dresser, préfigure le design géométrique clairsemé du Bauhaus, de De Stijl et du Style international.

Le japonisme a également eu une influence notable sur le développement de nouveaux musées et de nouvelles collections. Il a joué un rôle important dans l'expansion du British Museum of Ornamental Art (aujourd'hui connu sous le nom de Victoria and Albert Museum), qui a commencé à ajouter des œuvres japonaises à sa collection dès 1852. Isabella Stewart Gardner, qui était une amie proche de Whistler, a été la première à collectionner l'art asiatique en Amérique ; ses dons au Musée des beaux-arts de Boston ont permis de créer ce que certains spécialistes considèrent comme la meilleure collection d'art japonais en dehors du Japon. La Freer Gallery of Art de Washington D.C., qui abrite la Peacock Room de Whistler, abrite la plus grande bibliothèque de recherche sur l'art asiatique aux États-Unis.