News

Avec un mélange audacieux de technique traditionnelle et de sensualité expérimentale, Jean-Auguste-Dominique Ingres a réimaginé les sources classiques et de la Renaissance pour les adapter aux goûts du XIXe siècle. Dessinateur talentueux connu pour ses lignes serpentines et ses textures illusionnistes impeccablement rendues, il était au centre d'une version ravivée de l'ancien débat : la ligne ou la couleur est-elle l'élément le plus important de la peinture ? Pourtant, Ingres n'a pas toujours connu le succès ; ses expériences d'abstraction du corps et l'introduction de sujets plus exotiques et émotionnellement complexes lui ont valu des critiques acerbes au début de sa carrière. En réalité, son œuvre est mieux comprise comme un hybride entre le néoclassicisme et le romantisme. Ce n'est qu'en tant que pendant du romantisme plus dramatique d'Eugène Delacroix qu'Ingres a été largement accepté comme le défenseur de la peinture traditionnelle et du classicisme.

Alfred Sisley est l'un des artistes impressionnistes les plus injustement méconnus. Cela s'explique peut-être par le fait que Sisley a chevauché deux cultures différentes, étant né de parents anglais en France et ayant ensuite partagé son temps entre les deux pays. Ainsi, bien qu'il ait travaillé comme l'une des figures clés de l'impressionnisme français, il est resté une sorte d'outsider. Contrairement à nombre de ses pairs, qui se sont penchés sur la vie urbaine, l'industrialisation et les gens, Sisley était presque exclusivement un peintre de paysages, un sujet dont il s'éloignait rarement. De plus, ses œuvres sont empreintes d'une certaine humeur et d'un colorisme distinct qui suggèrent une influence des périodes antérieures de l'art anglais et français, en particulier de l'école de Barbizon. En tant que tel, Sisley a créé sa propre marque d'impressionnisme, qui préfigure bon nombre des nouveaux styles de peinture qui émergeront en Europe après le tournant du XXe siècle.

Metzinger est l'un des chefs de file du mouvement cubiste et sa position dans le développement de l'avant-garde repose à la fois sur l'excellence de ses peintures et de ses écrits théoriques. Membre de ce que l'on appelle les cubistes de salon, il est, plus que Braque et Picasso, responsable de la sensibilisation du grand public au cubisme et coécrit, avec Albert Gleizes, le premier et le plus important traité sur le cubisme, Du Cubisme. Contrairement à Gleizes, qui est resté fermement attaché au mouvement, Metzinger s'est davantage consacré à l'expérimentation formelle, ce qui se traduit par une œuvre qui chevauche le pointillisme, le fauvisme, le cubismeet même des éléments du surréalisme. Après avoir concilié sa production créative et philosophique avec un certain nombre de postes d'enseignement importants, il s'est détourné de l'écriture théorique pour se consacrer à la poésie.

Hals a été le premier maître de l'âge d'or néerlandais de la peinture. Son énergie créatrice et ses représentations de personnages pleins de vivacité ont joué un rôle incroyablement important dans l'évolution du portrait en tant que genre. Au lieu de se conformer aux notions contemporaines de beauté ou aux apparences stéréotypées, les sujets de Hals ont des visages clairement différenciés, uniques et réalistes, et ses modèles sont souvent représentés dans des poses et des situations détendues, s'engageant avec ceux qui les entourent au lieu de regarder directement le spectateur. Cette approche du portrait était nouvelle et l'œuvre de Hals a suscité de nombreux imitateurs à son époque, et nombre de ses approches ont été adoptées dans le cadre de mouvements plus larges de l'art néerlandais. Ses idées ont également connu un certain renouveau au XIXe siècle, ses peintures influençant à la fois le sujet et l'approche stylistique des impressionnistes.

Dans la dernière partie du XIXe siècle, le néo-impressionnisme a mis l'accent sur la science de l'optique et de la couleur pour forger une technique de peinture nouvelle et méthodique qui renonçait à la spontanéité et au romantisme célébrés par de nombreux impressionnistes. S'appuyant sur la capacité du spectateur à mélanger optiquement les points de couleur sur la toile, les néo-impressionnistes s'efforcent de créer des peintures plus lumineuses qui dépeignent la vie moderne. Avec la croissance des centres urbains et les progrès technologiques, les artistes ont cherché à saisir l'évolution de la relation des gens avec la ville et la campagne. Au cours des années suivantes, de nombreux artistes ont adopté la technique néo-impressionniste du pointillisme, qui consiste à appliquer de minuscules points de pigment, ce qui a ouvert la voie à d'autres explorations de la couleur et, finalement, à l'art abstrait.

Bien que formé à la peinture traditionnelle, Ensor s'est rapidement écarté de cette voie et a commencé à développer un style révolutionnaire qui reflétait sa propre vision de la vie moderne. Il était particulièrement fasciné par la culture populaire du carnaval organisée autour de la célébration du Mardi Gras chaque année dans toute la Belgique, très certainement influencé par le fait que le magasin de sa famille à Ostende était l'un des principaux fournisseurs d'accessoires de carnaval. L'imagerie qu'il a produite est constamment cynique et moqueuse ; elle présente une forme presque grotesque de réalisme destinée à enregistrer les tensions sous-jacentes aux mœurs sociales contemporaines de son époque, et probablement de toutes les époques.

Giorgio de Chirico a été l'un des pionniers du renouveau du classicisme qui s'est transformé en un phénomène européen dans les années 1920. Son propre intérêt a probablement été encouragé par l'expérience de son enfance en Grèce, où il a été élevé par des parents italiens. Et, alors qu'il vivait à Paris dans les années 1910, son mal du pays a peut-être donné naissance aux mystérieuses photos de places vides d'inspiration classique pour lesquelles il est le plus connu. C'est ce style qui l'a incité à former l'éphémère mouvement de la peinture métaphysique, avec le peintre Carlo Carrà. Son travail dans ce style a été très remarqué, en particulier en France, où les surréalistes l'ont considéré comme un précurseur. Mais de Chirico était instinctivement plus conservateur que l'avant-garde parisienne et, dans les années 1920, son style a commencé à embrasser des qualités de l'art de la Renaissance et de l'art baroque, ce qui a rapidement suscité des critiques de la part de ses anciens partisans. Pendant de nombreuses années, la désapprobation des surréalistes à l'égard de son œuvre tardive a façonné l'attitude des critiques. La réputation de l'artiste n'a pas non plus été favorisée par ses habitudes ultérieures de créer de nouvelles versions de ses tableaux métaphysiques et d'antidater son travail, comme si ces tableaux avaient été créés dans les années 1910. Ces dernières années, cependant, l'œuvre de cette période a suscité davantage d'intérêt et a certainement influencé une nouvelle génération de peintres italiens dans les années 1980.

Le nom de Guillaume Apollinaire est synonyme de l'essor de l'avant-garde du début du XXe siècle. Habitué des cafés parisiens, il côtoie d'autres jeunes bohèmes et se lie d'amitié avec de nombreux artistes, dont Raoul Dufy, André Derain, Maurice de Vlaminck et Pablo Picasso. Bien qu'il ne soit pas peintre lui-même et qu'il n'ait pas suivi de formation en histoire de l'art (contrairement à Vasariou Greenberg, écrivains qui ont exercé une influence indéniable sur l'art de la Renaissance et l'expressionnisme abstrait, respectivement), il est un défenseur enthousiaste et infatigable des modernistes, et on lui attribue le mérite d'avoir alerté ces âmes sœurs sur les nouveaux horizons artistiques ouverts par l'étude des masques africains et des peintures "naïves" d'Henri Rousseau. Par ses critiques d'art lyriques, pour lesquelles il est resté dans les mémoires, Apollinaire a contribué, plus que tout autre écrivain de sa génération, à établir la légende de certains des artistes les plus importants du siècle.

Le fauvisme, premier mouvement artistique moderne du XXe siècle, a été initialement inspiré par les exemples de Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat et Paul Cézanne. Les Fauves ("bêtes sauvages") étaient un groupe de peintres français vaguement alliés ayant des intérêts communs. Plusieurs d'entre eux, dont Henri Matisse, Albert Marquet et Georges Rouault, avaient été les élèves de l'artiste symboliste Gustave Moreauet admiraient l'importance accordée par ce dernier à l'expression personnelle. Matisse s'est imposé comme le chef de file du groupe, dont les membres partageaient l'utilisation de couleurs intenses comme moyen de décrire la lumière et l'espace, et qui redéfinissaient la couleur et la forme pures comme moyens de communiquer l'état émotionnel de l'artiste. À cet égard, le fauvisme s'est avéré être un précurseur important du cubisme et de l'expressionnisme, ainsi qu'une pierre de touche pour les futurs modes d'abstraction.

Tzara est considéré comme le fondateur de Dada, un mouvement nihiliste et anti-art formé à Zurich pendant la Première Guerre mondiale. Bien qu'il ait également produit des œuvres d'art, sa principale contribution a été de publier des manifestes décrivant les objectifs de Dada et de les diffuser à un public aussi large que possible, ainsi que d'organiser des spectacles vulgaires et choquants dans un café local, avec un langage déconstruit et des actes scandaleux destinés à choquer son public et à bouleverser toutes les attentes préconçues. Tzara a travaillé dur pour répandre Dada, formulant le projet Dadaglobe destiné à cataloguer la production Dada à travers le monde et introduisant sa propre marque de spectacle chaotique à l'avant-garde parisienne au milieu des années 1920. En 1930, il commence à se détacher du côté destructeur de Dada et à explorer le surréalisme, un mouvement propagé par son ami André Breton, avec sa combinaison de juxtaposition et de hasard. Tout au long de sa carrière, il s'est efforcé de surmonter ce qu'il considérait comme les maux de la société bourgeoise et d'offrir, à leur place, un antidote fondé sur un manque flagrant de précédent historique.

La carrière remarquable d'Alberto Giacometti retrace l'évolution des enthousiasmes de l'art européen avant et après la Seconde Guerre mondiale. Surréaliste dans les années 1930, il conçoit des formes sculpturales innovantes, qui rappellent parfois des jouets et des jeux. Après la guerre, en tant qu'existentialiste, il a ouvert la voie en créant un style qui résume les intérêts de la philosophie pour la perception, l'aliénation et l'anxiété. Bien que sa production s'étende à la peinture et au dessin, l'artiste né en Suisse et établi à Paris est surtout connu pour ses sculptures. Et c'est peut-être pour son travail figuratif que l'on se souvient le mieux de lui, car il a contribué à faire du motif de la figure humaine souffrante un symbole populaire du traumatisme de l'après-guerre.

René Magritte est certainement l'artiste belge le plus célèbre du XXe siècle. Il a obtenu une grande reconnaissance populaire pour son approche idiosyncrasique du surréalisme. Pour subvenir à ses besoins, il a passé de nombreuses années à travailler comme artiste commercial, réalisant des publicités et des dessins de livres, ce qui a très probablement façonné ses œuvres d'art, qui ont souvent l'impact abrégé d'une publicité. Alors que certains surréalistes français menaient des vies ostentatoires, Magritte préférait l'anonymat tranquille d'une existence de classe moyenne, une vie symbolisée par les hommes au chapeau melon qui peuplent souvent ses tableaux. Plus tard, il a été critiqué par ses pairs pour certaines de ses stratégies (comme sa tendance à produire de multiples copies de ses tableaux), mais depuis sa mort, sa réputation n'a fait que s'améliorer. Les artistes conceptuels ont admiré son utilisation du texte dans les images, et les peintres des années 1980 ont admiré le kitsch provocateur de certaines de ses dernières œuvres.