l'Art nouveau
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Aug 03, 2022

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Les débuts de l'Art nouveau


L'avènement de l'Art nouveau - littéralement "Nouvel Art" - peut être attribué à deux influences distinctes : la première est l'introduction, vers 1880, du mouvement britannique Arts and Crafts, qui, tout comme l'Art nouveau, était une réaction contre les dessins et compositions encombrés de l'art décoratif de l'ère victorienne. La seconde est la vogue de l'art japonais, en particulier des gravures sur bois de Katsushika Hokusai, qui a séduit de nombreux artistes européens dans les années 1880 et 1990, notamment Gustav Klimt, Emile Gallé et James Abbott McNeill Whistler. Les gravures sur bois japonaises, en particulier, contenaient des formes florales et bulbeuses, ainsi que des courbes "en coup de fouet", autant d'éléments clés de ce qui allait devenir l'Art nouveau.

Le célèbre escalier de l'hôtel Tassel conçu par Victor Horta. Achevé en 1894. Photo par Henry Townsend

Le célèbre escalier de l'hôtel Tassel conçu par Victor Horta. Achevé en 1894. Photo par Henry Townsend.

 

Il est difficile d'identifier la ou les premières œuvres d'art qui ont officiellement lancé l'Art nouveau. Certains affirment que les motifs, les lignes fluides et les fonds floraux que l'on trouve dans les peintures des post-impressionnistes Vincent van Gogh et de Paul Gauguin représentent la naissance de l'Art nouveau, ou peut-être même les lithographies décoratives d'Henri de Toulouse-Lautrec, telles que Moulin Rouge : La Goulue (1891). Mais la plupart d'entre eux se réfèrent aux origines des arts décoratifs, et en particulier à une jaquette de livre réalisée par l'architecte et designer anglais Arthur Heygate Mackmurdo pour le volume de 1883 intitulé Wren's City Churches. Le dessin représente des tiges serpentines de fleurs émanant d'un bloc aplati au bas de la page, rappelant clairement les gravures sur bois de style japonais.


Expositions sur l'Art nouveau


L'Art nouveau était souvent le plus visible dans les expositions internationales à son apogée. Il a occupé le devant de la scène dans cinq foires particulières : les expositions universelles de 1889 et 1900 à Paris ; l'exposition de Tervueren de 1897 à Bruxelles (où l'Art nouveau a été largement utilisé pour montrer les possibilités de l'artisanat avec les bois exotiques du Congo belge) ; l'exposition internationale des arts décoratifs modernes de Turin de 1902 ; et l'exposition internationale de l'Est de la France de 1909 à Nancy. À chacune de ces foires, le style était dominant en termes d'arts décoratifs et d'architecture exposés, et à Turin en 1902, l'Art nouveau était véritablement le style de prédilection de pratiquement tous les créateurs et de toutes les nations représentées, à l'exclusion de tout autre.

Affiche de style Art nouveau pour les Expositions universelles de 1900 à Paris

Affiche de style Art nouveau pour les Expositions universelles de 1900 à Paris

 

 

Les noms régionaux de l'Art nouveau


Siegfried Bing, un marchand allemand et connaisseur d'art japonais vivant à Paris, a ouvert en décembre 1895 un magasin appelé L'Art Nouveau, qui est devenu l'un des principaux pourvoyeurs de ce style dans le domaine du mobilier et des arts décoratifs. Très vite, le nom du magasin devient synonyme de ce style en France, en Grande-Bretagne et aux États-Unis. La grande popularité de l'Art nouveau dans toute l'Europe occidentale et centrale l'a toutefois amené à porter plusieurs noms différents. Dans les pays germanophones, il était généralement appelé Jugendstil (Style de la jeunesse), d'après un magazine munichois appelé Jugend qui l'a popularisé. À Vienne, où se trouvaient Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann et les autres fondateurs de la Sécession viennoise, il était connu sous le nom de Sezessionsstil (style de la Sécession). Il était également connu sous le nom de Modernismo en espagnol, Modernisme en catalan, et Stile Floreale (style floral) ou Stile Liberty en Italie (ce dernier en référence au magasin de tissus d'Arthur Liberty à Londres, qui a contribué à populariser le style). En France, il était communément appelé Modern(e)-Style et parfois Style Guimard, du nom de son plus célèbre praticien, l'architecte Hector Guimard, et aux Pays-Bas, il était généralement appelé Nieuwe Kunst (Nouvel Art). Ses nombreux détracteurs lui ont également donné plusieurs noms péjoratifs : Style Nouille en France, Paling Stijl en Belgique et Bandwurmstil en Allemagne, autant de noms qui font référence à la tendance de l'Art nouveau à utiliser des lignes sinueuses et fluides.

Entrée de la boutique L'Art Nouveau de Siegfried Bing

Entrée de la boutique L'Art Nouveau de Siegfried Bing.

 

 

L'Art nouveau : Concepts, styles et tendances


Graphisme et design de l'Art nouveau


L'omniprésence de l'Art nouveau à la fin du XIXe siècle s'explique en partie par l'utilisation par de nombreux artistes de formes populaires et faciles à reproduire, que l'on retrouve dans les arts graphiques. En Allemagne, des artistes du Jugendstil comme Peter Behrens et Hermann Obrist ont imprimé leurs œuvres sur des couvertures de livres et des catalogues d'exposition, des publicités de magazines et des affiches de théâtre. Mais cette tendance est loin d'être limitée à l'Allemagne. L'illustrateur anglais Aubrey Beardsley, peut-être la figure la plus controversée de l'Art nouveau en raison de son mélange d'érotisme et de macabre, a créé, au cours de sa brève carrière, un certain nombre d'affiches aux lignes gracieuses et rythmées. Les estampes hautement décoratives de Beardsley, telles que La jupe de paon (1894), étaient à la fois décadentes et simples, et représentent le lien le plus direct que nous puissions identifier entre l'Art nouveau et les estampes japonaises/Ukiyo-e. En France, les affiches et la production graphique de Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen et d'une poignée d'autres ont popularisé le style de vie somptueux et décadent de la belle époque (en gros, la période 1890-1914), généralement associé au quartier des cabarets miteux de Montmartre, dans le nord de Paris. Leurs œuvres graphiques utilisaient les nouvelles techniques de chromolithographie pour promouvoir toutes sortes de choses, des nouvelles technologies comme le téléphone et la lumière électrique aux bars, restaurants, boîtes de nuit et même aux artistes individuels, évoquant l'énergie et la vitalité de la vie moderne. Ce faisant, ils ont rapidement fait passer l'affiche des rangs de la publicité piétonne à ceux du grand art.


Architecture Art nouveau


Outre les arts graphiques et visuels, toute discussion sérieuse sur l'Art nouveau doit prendre en compte l'architecture et la vaste influence qu'elle a eue sur la culture européenne. Dans des centres urbains tels que Paris, Bruxelles, Glasgow, Turin, Barcelone, Anvers et Vienne, mais aussi dans des villes plus petites comme Nancy et Darmstadt, ainsi que dans des villes d'Europe de l'Est comme Riga, Prague et Budapest, l'architecture Art nouveau s'est imposée à grande échelle, tant par sa taille que par son apparence, et est encore visible aujourd'hui dans des structures aussi variées que de petites maisons en rangée ou de grands bâtiments institutionnels et commerciaux. Dans le domaine de l'architecture, l'Art nouveau s'est manifesté dans une grande variété de formes. De nombreux bâtiments intègrent une utilisation prodigieuse de la terre cuite et de carrelages colorés. Le céramiste français Alexandre Bigot, par exemple, s'est fait connaître en produisant des ornements en terre cuite pour les façades et les cheminées des résidences et des immeubles parisiens. D'autres structures Art nouveau, notamment en France et en Belgique (Hector Guimard et Victor Horta étaient d'importants praticiens), montrent les possibilités technologiques d'une structure en fer reliée à des panneaux de verre.

Le bâtiment de la Sécession de Vienne tel qu'il est aujourd'hui. Photo par Gryffindor

Le bâtiment de la Sécession de Vienne tel qu'il est aujourd'hui. Photo par Gryffindor.

 

Dans de nombreuses régions d'Europe, l'architecture résidentielle de l'Art nouveau se caractérise par l'utilisation de pierres locales, telles que la pierre calcaire jaune, ou d'une esthétique rurale rocheuse et aléatoire avec des garnitures en bois. Et dans plusieurs cas, une peau sculpturale en stuc blanc a été utilisée, en particulier sur les bâtiments Art nouveau utilisés pour des expositions, tels que les pavillons de l'Exposition universelle de Paris de 1900 et le bâtiment de la Sécession à Vienne. Même aux États-Unis, les formes végétales qui ornent les gratte-ciel de Louis Sullivan, comme le Wainwright Building et la Bourse de Chicago, sont souvent considérées comme les meilleurs exemples de la vaste portée architecturale de l'Art nouveau.


Meubles et décoration intérieure Art nouveau


À l'instar des renaissances stylistiques victoriennes et du mouvement Arts and Crafts, l'Art nouveau était intimement associé à la décoration intérieure, au moins autant qu'il était visible sur les façades extérieures. À l'instar de ces autres styles du XIXe siècle, les intérieurs Art nouveau s'efforcent également de créer un environnement harmonieux et cohérent qui ne laisse aucune surface intacte. À cet égard, la conception de meubles occupe une place centrale, notamment dans la production de bois sculpté aux contours nets et irréguliers, souvent fabriqués à la main mais parfois à l'aide de machines. Les fabricants de meubles produisaient des pièces pour tous les usages imaginables : lits, chaises, tables et chaises de salle à manger, armoires, buffets et lampadaires. Les courbes sinueuses des dessins s'inspirent souvent du grain naturel du bois et sont souvent installées de façon permanente comme panneaux muraux et moulures.

En France, les principaux designers de l'Art nouveau étaient Louis Majorelle, Emile Gallé et Eugène Vallin, tous basés à Nancy, et Tony Selmersheim, Édouard Colonna et Eugène Gaillard, qui travaillaient à Paris - ces deux derniers spécifiquement pour le magasin de Siegfried Bing appelé L'Art nouveau (qui donnera plus tard au mouvement son nom le plus commun). En Belgique, la ligne en coup de fouet et les contours réservés et plus anguleux sont visibles dans les dessins de Gustave Serrurier-Bovy et Henry van de Velde, qui admiraient tous deux les œuvres des artistes Arts & Crafts anglais. Les Italiens Alberto Bugatti et Augustino Lauro sont connus pour leurs incursions dans ce style. Nombre de ces créateurs passaient librement d'un média à l'autre, ce qui les rendait souvent difficiles à catégoriser : Majorelle, par exemple, fabriquait ses propres meubles en bois et ouvrait une fonderie de fer, qui produisait également de nombreux accessoires métalliques pour les verreries des frères Daum.


La peinture et les “grands arts”

 

Peu de styles peuvent se targuer d'être représentés à travers presque toutes les formes de médias visuels et matériels de manière aussi complète que l'Art nouveau. Outre ceux qui ont travaillé principalement dans le domaine du graphisme, de l'architecture et du design, l'Art nouveau compte quelques représentants éminents dans le domaine de la peinture, comme le sécessionniste viennois Gustav Klimt, connu pour L'Espoir II et Le Baiser (tous deux en 1907-08), et Victor Prouvé en France. Mais les peintres Art nouveau étaient peu nombreux : Klimt n'a pratiquement pas eu d'élèves ou de disciples (Egon Schiele et Oscar Kokoschka ont prit la direction de l'expressionnisme), et Prouvé est connu aussi bien comme sculpteur que comme créateur de meubles. Au contraire, l'Art nouveau a sans doute contribué, plus que tout autre style dans l'histoire, à réduire l'écart entre les arts décoratifs ou appliqués (aux objets utilitaires) et les beaux-arts ou arts purement ornementaux de la peinture, de la sculpture et de l'architecture, qui étaient traditionnellement considérés comme des expressions plus importantes et plus pures du talent et des compétences artistiques. (On peut toutefois débattre de la question de savoir si ce fossé a jamais été complètement comblé).


Verrerie et bijoux Art nouveau


La réputation de luxe de l'Art nouveau s'est également manifestée par son exploitation par certains des artistes verriers les plus connus de l'histoire. Emile Gallé, les frères Daum, Tiffany et Jacques Gruber sont tous devenus célèbres, du moins en partie, grâce à leur verre Art nouveau et à ses applications dans de nombreuses formes utilitaires. Les entreprises de Gallé et de Daum ont établi leur réputation dans la conception de vases et le verre d'art, en introduisant de nouvelles techniques dans les pièces gravées à l'acide dont les surfaces sinueuses et galbées semblaient couler sans effort entre les teintes translucides. Les frères Daum et Tiffany ont également exploité les possibilités artistiques du verre à des fins utilitaires, comme les abat-jour et les ustensiles de bureau. Tiffany et Jacques Gruber, qui avait suivi une formation à Nancy avec les frères Daum, devinrent tous deux des spécialistes du vitrail qui célébrait la beauté du monde naturel dans des panneaux lumineux à grande échelle.

Portrait charismatique du verrier Art Nouveau Emile Gallé par Victor Prouvé (1892)

Portrait charismatique du verrier Art Nouveau Emile Gallé par Victor Prouvé (1892).

 

Dans le domaine de la joaillerie, René Lalique, Louis Comfort Tiffany et Marcel Wolfers ont créé certaines des pièces les plus prisées du début du siècle, produisant tout, des boucles d'oreilles aux colliers en passant par les bracelets et les broches, garantissant ainsi que l'Art nouveau serait toujours associé au luxe de la fin du siècle, malgré l'espoir que son omniprésence le rend universellement accessible.


La vente au détail et l'identité d'entreprise


L'Art nouveau a pris de l'importance au moment où la vente au détail s'est développée pour attirer un véritable public de masse. Il a été mis en avant par bon nombre des grands magasins urbains créés à la fin du XIXe siècle, notamment La Samaritaine à Paris, Wertheim's à Berlin et les Magasins Reunis à Nancy. En outre, il a été commercialisé de manière agressive par certains des magasins de design les plus célèbres de l'époque, à commencer par le magasin L'Art nouveau de Siegfried Bing à Paris, qui est resté un bastion de la diffusion du style jusqu'à sa fermeture en 1905, peu après la mort de Bing. Son magasin était loin d'être le seul de la ville à se spécialiser dans les intérieurs et les meubles Art nouveau.

Pendant ce temps, Liberty & Co. était le principal distributeur d'objets du style en Grande-Bretagne et en Italie, où le nom de Liberty est devenu presque synonyme de ce style. De nombreux designers Art nouveau se sont fait un nom en travaillant exclusivement pour ces détaillants avant de prendre d'autres directions. L'architecte Peter Behrens, par exemple, a conçu pratiquement tout, des bouilloires aux couvertures de livres, en passant par les affiches publicitaires, les intérieurs de pavillons d'exposition, les ustensiles et les meubles, pour finalement devenir le premier designer industriel lorsqu'en 1907, il a été chargé de tous les travaux de conception pour AEG (Allgemeine Elektrisitats-Gesellschaft, la General Electric allemande).


Développements ultérieurs - Après l'Art nouveau


Si l'Art nouveau a rapidement pris l'Europe d'assaut au cours des cinq dernières années du XIXe siècle, les artistes, les designers et les architectes l'ont abandonné tout aussi rapidement au cours de la première décennie du XXe siècle. Bien que nombre de ses praticiens aient fait de la doctrine selon laquelle "la forme doit suivre la fonction" un élément central de leur éthique, certains designers ont eu tendance à faire un usage somptueux de la décoration, et le style a commencé à être critiqué pour son caractère trop élaboré. D'une certaine manière, à mesure que le style mûrissait, il commençait à revenir aux habitudes mêmes qu'il avait méprisées, et un nombre croissant d'opposants ont commencé à accuser le style de ne pas avoir renouvelé le design, mais d'avoir simplement remplacé l'ancien par du superficiellement nouveau. Même en utilisant les nouvelles méthodes de production de masse, l'artisanat intensif impliqué dans une grande partie du design Art nouveau l'a empêché de devenir réellement accessible à un public de masse, comme ses représentants l'avaient initialement espéré. Dans certains cas, comme à Darmstadt, le laxisme des lois internationales sur le droit d'auteur a également empêché les artistes de tirer un bénéfice monétaire de leurs créations.

L'association de l'Art nouveau avec les expositions a également contribué à sa perte. Tout d'abord, la plupart des bâtiments des foires étaient des structures temporaires qui étaient démolies immédiatement après la clôture de l'événement. Mais plus important encore, les expositions elles-mêmes, bien que tenues sous le couvert de la promotion de l'éducation, de la compréhension internationale et de la paix, ont eu tendance à alimenter la rivalité et la concurrence entre les nations en raison de la nature intrinsèquement comparative de l'exposition. De nombreux pays, dont la France et la Belgique, ont considéré l'Art nouveau comme un candidat potentiel au titre de "style national", avant que les accusations d'origine étrangère ou de sous-entendus politiques subversifs de l'Art nouveau (en France, il a été associé à des designers belges et à des marchands allemands, et a parfois été le style utilisé dans des bâtiments socialistes) ne retournent l'opinion publique contre lui. À quelques exceptions notables près, où il bénéficiait d'un cercle de mécènes locaux dévoués, l'Art nouveau a disparu du paysage européen du design en 1910.



De la Wiener Werkstätte à l'Art déco


La mort de l'Art nouveau a commencé en Allemagne et en Autriche, où des designers tels que Peter Behrens, Josef Hoffmann et Koloman Moser ont commencé à se tourner vers une esthétique plus sobre et plus sévèrement géométrique dès 1903. Cette année-là, de nombreux designers précédemment associés à la Sécession viennoise ont fondé le collectif connu sous le nom de Wiener Werkstätte, dont la préférence pour les formes angulaires et rectilignes a rappelé une esthétique plus précise, d'inspiration industrielle, qui omettait toute référence manifeste à la nature. Cette réification des qualités mécaniques du design est soulignée en 1907 par deux événements clés : l'installation de Behrens en tant que chef de l'AEG pour tout le design de l'entreprise, des bâtiments aux produits en passant par la publicité, faisant de lui le premier designer industriel au monde ; et la fondation du Werkbund allemand, l'alliance formelle entre les industriels et les designers qui tentent de plus en plus de définir un système de types de produits basé sur la standardisation. Associée à un nouveau respect pour le classicisme, inspiré en partie par l'exposition universelle de Chicago en 1893 et approuvé officiellement par le mouvement City Beautiful aux États-Unis, cette esthétique inspirée par les machines a fini par devenir, au lendemain de la Première Guerre mondiale, le style que nous appelons aujourd'hui tardivement Art déco. Son caractère nettement commercial s'est exprimé de la manière la plus succincte lors de l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris en 1925, l'événement qui allait, dans les années 1960, donner son nom à l'Art déco.


Influences postmodernes


Malgré sa brève existence, l'Art nouveau a exercé une influence dans les années 1960 et 1970 sur les designers désireux de s'affranchir de l'esthétique confinée, austère, impersonnelle et de plus en plus minimale qui prévalait dans les arts graphiques. Les qualités linéaires fluides et incontrôlées de l'Art nouveau sont devenues une source d'inspiration pour des artistes tels que Peter Max, dont l'évocation d'une expérience alternative rêveuse et psychédélique rappelle le monde esthétique imaginatif, éphémère et fluide du début du siècle.

Reconnu dès le départ comme une étape importante dans le développement du modernisme, tant dans l'art que dans l'architecture, l'Art nouveau est aujourd'hui moins compris comme un pont de transition entre les périodes artistiques que comme l'expression du style, de l'esprit et de la pensée intellectuelle d'une certaine époque, centrée sur 1900. Dans sa quête d'une esthétique véritablement moderne, il est devenu le langage visuel déterminant d'un moment éphémère de l'époque.
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