Georges Rouault
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Georges Rouault

Nov 27, 2023

Georges Rouault


Peintre et graveur français 


Né : 27 mai 1871 - Paris, France

Mort : 13 février 1958 - Paris, France



Enfance


Georges-Henri Rouault naît dans une cave le 27 mai 1871 pendant la tumultueuse "Semaine sanglante" à la fin de la Commune de Paris. Un obus perdu frappe la maison familiale et la jeune femme enceinte doit être transportée dans la cave où elle donne naissance à son deuxième enfant.

Petit garçon frêle, Rouault passe une enfance heureuse dans le quartier ouvrier de Belleville à Paris. Son père, Alexandre, est menuisier à la manufacture de pianos Pleyel, et il devient rapidement l'héritier du goût de son père pour l'artisanat. Toute la famille Rouault partageait un intérêt pour la créativité et encourageait l'amour de Georges pour l'art. En effet, son grand-père (du côté maternel) avait constitué une collection de lithographies d'Honoré Daumier et de reproductions de tableaux de Rembrandt, Courbet et Manet, et Rouault dira plus tard qu'il est allé à l'école d'abord avec Daumier.


Formation et travail précoces


Rouault commence à dessiner très tôt et, à l'âge de quatorze ans, il travaille comme apprenti chez un peintre verrier et restaurateur de fenêtres médiévales nommé Georges Hirsch. On dit souvent que cette expérience précoce est à l'origine des lourdes lignes noires qui caractérisent le style de Rouault à l'âge mûr. Même après une longue journée de travail, il se rendait à pied à l'autre bout de Paris pour puiser dans les antiquités et dans la vie de l'École des arts décoratifs. Il passait également ses dimanches au Louvre pour faire des croquis.

À dix-huit ans, Rouault s'inscrit à l'École des beaux-arts de Paris. Comme Matisse, Marquet et Camoin, il étudie auprès du célèbre symboliste Gustave Moreau. Rouault devient rapidement l'élève préféré de son maître et son ami personnel. Moreau était un professeur progressiste et ouvert d'esprit qui chérissait et respectait consciencieusement la personnalité unique de ses élèves et s'efforçait toujours de leur donner l'espace nécessaire pour développer leurs prédilections artistiques individuelles.

De nombreuses œuvres de cette période témoignent de l'influence de Moreau sur le jeune Rouault, qui rêvait de remporter le célèbre prix de Rome. En 1894, Rouault remporte le prix Chenavard mais échoue dans sa tentative de remporter le prix de Rome, plus convoité. Après cet échec (deux fois), Moreau lui-même conseille à son protégé d'abandonner l'école et de poursuivre sa carrière de manière indépendante. Rouault quitte l'école mais Moreau continue de l'encourager. En effet, un lien fort se crée entre les deux hommes et Rouault suit généralement les conseils de son mentor. Alors qu'il n'a qu'une vingtaine d'années, Rouault commence à participer chaque année au Salon des artistes français. Il commence également à fréquenter la galerie Ambroise Vollard où il voit des œuvres d'artistes de la trempe de Cézanne et de Gauguin.

La mort soudaine de Moreau en 1897 bouleverse Rouault. À la même époque, ses parents s'installent en Algérie pour soutenir sa sœur dont le mari est décédé. Bien qu'il soit nommé conservateur du musée Moreau en 1898, Rouault tombe dans une profonde dépression. Il traverse une crise violente et une longue période de solitude et de tristesse qu'il appelle son "abîme". Il cesse de peindre pendant un certain temps. "C'est à ce moment-là, commentera-t-il plus tard, que j'ai appris la vérité de la célèbre phrase de Cézanne : "La vie est horrible".

En 1901, Rouault décide de passer quelque temps à l'abbaye bénédictine de Ligugé où son ami, le romancier Huysmans, souhaite créer une communauté isolée pour les artistes catholiques. L'artiste s'est converti au catholicisme en 1895 et est proche de l'intelligentsia catholique française de l'époque. À Ligugé, le groupe s'engage à résister à la publicité et à tout ce qui peut flatter les vanités créatrices. Rouault, en effet, a décidé de ne jamais se plier au goût du public. L'adoption de la loi Waldeck-Rousseau contre les associations religieuses en 1902 entraîne la dissolution de la communauté et Rouault retourne à Paris. La même année, il passe quelque temps dans la station balnéaire d'Évian-les-Bains où il retrouve enfin son équilibre. Il reprend la peinture avec une vigueur renouvelée et réfléchit : "J'ai traversé une crise morale des plus violentes. J'ai vécu des choses qui ne peuvent pas être exprimées par des mots. Et je me suis mis à peindre avec un lyrisme outrancier qui a déconcerté tout le monde".

 

Inspiré par les idées de Moreau et par ses propres convictions philosophiques et religieuses, Rouault développe un style expressif très personnel et choisit des sujets qui reflètent sa méfiance personnelle à l'égard de la corruption et de l'autosatisfaction de la société bourgeoise. Il abandonne bientôt le symbolisme de Moreau et s'intéresse à l'exposition de la misère humaine. Il commence à hanter les tribunaux et à dépeindre des juges corrompus dans un style proche de Daumier. Avec d'autres artistes, il demande à des prostituées de venir dans son atelier pour les peindre. Sa fascination pour les marginaux et les artistes tels que les clowns, les acrobates, les jongleurs et les danseurs l'a aidé à expérimenter avec les formes et les couleurs, tout en ruminant des thèmes sur la misère humaine et la solitude.

Son attirance bien connue pour les clowns a commencé dès 1905, lorsque l'artiste a été témoin d'une scène qui allait marquer sa vision de la vie. Alors qu'il se promène un jour, l'artiste tombe sur une "caravane de nomades, garée au bord de la route". C'est un cirque qui se prépare pour sa prochaine représentation publique. L'œil de Rouault se pose sur l'un des personnages : un "vieux clown assis dans un coin de sa caravane, en train de raccommoder son costume étincelant et criard". L'artiste est intrigué par le contraste entre le costume "scintillant" du clown et son attitude ostensiblement joyeuse, et sa vie privée "d'une tristesse infinie" qu'il voit se refléter dans tous les êtres humains : J'ai vu très clairement que le "clown", c'était moi, c'était nous, presque tous [...] Nous sommes tous plus ou moins des clowns", conclut-il.

Inspiré par ses observations de la réalité quotidienne, Rouault imprègne ses peintures de l'expérience humaine. Sa production de l'époque se caractérise par la violence du dessin et le dynamisme de la ligne. En réaction sincère contre l'académisme, il avait déjà participé à la création du Salon d'Automne progressiste de 1903. Il y participera bientôt lui-même, notamment en 1905, où il expose avec les Fauves et Matisse. Il est en effet affilié aux Fauves et expérimente lui-même la couleur pure, la forme et la composition. Matisse et Rouault partagent une relation de travail fructueuse, comme en témoignent leurs longues correspondances. Moreau a joué un rôle central dans le développement artistique des deux hommes. La couleur est au cœur de l'esthétique des deux hommes mais, contrairement à Matisse, Rouault ajoute des lignes lourdes et audacieuses à ses tons de bijoux et s'inspire de sa foi catholique pour ses sujets.

Jeu de massacre (Slaughter) (1905)

Jeu de massacre 1905


Rouault est un homme taciturne qui fréquente rarement les cafés et n'a jamais vraiment participé à la vie de bohème parisienne, préférant rester proche des cercles catholiques. À cette époque, il découvre les écrits du catholique radical et polémique Léon Bloy et adhère aux idées d'un écrivain qui prêche le renouveau spirituel par la souffrance et la pauvreté. Bloy est cependant connu pour sa bigoterie et son mauvais caractère, et il déteste les peintures de Rouault qu'il trouve laides. Les deux hommes restent néanmoins très amis jusqu'à la mort de l'écrivain en 1917. Le peintre a été particulièrement frappé par le roman La Femme Pauvre. Le livre raconte la vie misérable d'une femme, Clotilde, qui, animée par une foi inébranlable, parvient à supporter toutes ses souffrances. Rouault a été profondément inspiré par le livre et a basé certains de ses personnages sur Clotilde. Il présente Bloy au peintre George Desvallieres qui avait été l'élève de Moreau et l'un des fondateurs du Salon d'Automne. Après sa rencontre avec Bloy, celui-ci devient, comme Rouault, un artiste chrétien militant et engagé qui défend l'art d'avant-garde. Les deux artistes entretiendront d'ailleurs une relation de travail amicale pendant de nombreuses années. En 1908, Rouault épouse Marthe Le Sidaner, pianiste et sœur du peintre Henri Sidaner. Ils resteront mariés jusqu'à la fin de sa vie et élèveront ensemble quatre enfants.

 

Période de maturité


Rouault commence à être reconnu dans le monde de l'art dans les années 1910. C'est à cette époque qu'il commence à peindre des formes plus lourdes, soulignées par d'épaisses lignes noires et des huiles. Il commence également à expérimenter d'autres techniques, en particulier la gravure. En 1910, Druet lui offre sa première exposition personnelle, mais malgré ce succès précoce, l'artiste reste pauvre et solitaire. En 1912, la famille Rouault déménage à Versailles où elle vit dans une maison sordide et infestée de rats dans un vieux quartier de la ville. Quelques jours après son arrivée à Versailles, le père de Georges, avec qui il avait eu de longues discussions sur la nature de l'art, meurt. C'est un nouveau coup dur pour le peintre, qui trouve du réconfort auprès de Jacques Maritain, un autre membre du mouvement de renouveau catholique. Maritain est un philosophe respecté qui s'est converti au catholicisme romain en 1905 (après être tombé sous l'influence de Bloy). Cette période marque un tournant pour Rouault, dont l'art devient de plus en plus catholique.

Incapable d'atténuer la douleur de la disparition de son père, Rouault commence une série de dessins à l'encre de Chine qui serviront de base aux gravures de son chef-d'œuvre monumental, le livre du Miserere. Rouault devra attendre 1948 pour voir ce projet aboutir, avec la publication d'un livre comprenant 58 gravures. Les dessins initiaux étaient tous basés sur le 50e psaume de repentance de la liturgie catholique, Miserere mie Deus, mais Rouault était également influencé par les horreurs de la Première Guerre mondiale et par son propre intérêt pour les marginaux de la société.

Pendant la Première Guerre mondiale, l'artiste est déclaré inapte au service. Toute la famille s'installe à la campagne, en Normandie, où Rouault peut encore peindre dans une relative tranquillité. L'image du Christ devient de plus en plus présente dans son œuvre et, en 1917, Rouault signe un contrat avec le marchand d'art Ambroise Vollard. L'artiste connaissait le marchand depuis de nombreuses années et avait commencé à discuter de leurs conditions dès 1913. Rouault décide finalement de donner à Vollard l'exclusivité artistique en échange d'un salaire fixe ; le marchand met même à sa disposition un atelier au dernier étage de sa propre maison où Rouault peut travailler à son rythme. Rouault est financièrement tranquille et peut désormais se consacrer pleinement à sa carrière. Cependant, Vollard est connu pour être un mécène jaloux et contrôlant qui aime monopoliser le travail de ses artistes.

1912-27 Miserere

1912-27 Miserere


Vollard aime aussi les livres et les estampes et commande à Rouault de nombreux livres illustrés. Vollard devient de plus en plus exigeant et l'artiste peint de moins en moins, se concentrant davantage sur la gravure. Il illustre plusieurs livres pendant cette période, notamment les suites de Pere Ubu d'Alfred Jarry (1927) et les Fleurs du Mal de Charles Baudelaire (1928). En 1928, Rouault et son "frère d'art", le poète et critique André Suares, ont achevé un projet de livre sur lequel ils travaillaient ensemble depuis plusieurs années. Vollard, qui nourrit un petit grief à l'encontre du poète, refuse de publier les écrits de Suares. Bien que frustré, Rouault accepte de remplacer les poèmes de Suares par ses propres écrits et intitule le livre achevé Le cirque de l'étoile filante.

Malgré ses incursions dans la gravure, Rouault, à partir de la période 1927-8, s'engage à ne peindre que dans ce qui deviendra sa signature : de lourdes lignes noires encerclant les couleurs et les formes. Il prend la décision de n'utiliser que l'huile, abandonnant l'aquarelle et la gouache. Les clowns, les prostituées, mais aussi la figure du Christ, dominent son œuvre. Sa vision catholique du monde s'est renforcée au cours de l'année et confère à son œuvre une dimension encore plus spirituelle. Comme l'a déclaré l'érudit William Dyrness : "Rouault a cherché à peindre l'archétype de la condition humaine dans les figures de clowns, de prostituées et de gens de la classe inférieure qui doivent être améliorés par la solidarité familiale ou la présence du Christ".

Pendant sa période de maturité, Rouault participe à de nombreuses expositions qui rencontrent un certain succès auprès de la critique. En 1929, il conçoit le décor et les costumes du ballet Le Fils prodigue pour son ami Sergei Diaghilev et en 1937, Rouault obtient une reconnaissance mondiale en présentant quarante-deux tableaux à l'Exposition universelle de Paris. À l'étranger, le fils de Matisse, Pierre, lui offrira trois expositions personnelles dans sa galerie de New York entre 1933 et 1947.


La période tardive


En 1939, Vollard est tué dans un accident de voiture et Rouault se trouve soudain libéré du contrat qui le liait à son marchand. Cependant, la succession de Vollard a scellé l'entrée de sa maison, empêchant Rouault de récupérer ses esquisses, ses notes et ses œuvres inachevées. La Seconde Guerre mondiale a contraint Rouault à quitter Paris pour le sud de la France bien avant que l'affaire ne soit réglée. Une fois dans le sud, il rejoint d'autres artistes déplacés et continue à peindre.

1937-38 Pierrot

1937-38 Pierrot

Ce n'est qu'en 1947 que Rouault peut enfin régler son litige avec la succession Vollard. Il avait poursuivi avec succès les héritiers de Vollard pour obtenir la restitution de quelque 800 tableaux, affirmant qu'ils étaient inachevés et que leur vente en l'état porterait atteinte à sa réputation de peintre. Le tribunal a décidé que le peintre était le propriétaire légitime de ses propres tableaux - "à condition qu'il ne les ait pas donnés de son plein gré" - et il a obtenu la restitution de plus de 700 tableaux inachevés. Un an plus tard, devant un notaire, Rouault brûle 315 œuvres inachevées qu'il estime ne plus pouvoir terminer. Il en brûlera d'autres quelques années plus tard. Pour l'artiste, il semble que l'épreuve ait été un triomphe moral plus que matériel.

Tête du Christ 1937

Tête du Christ 1937

Heureux et satisfait, des tonalités plus chaudes commencent à apparaître dans ses peintures. Les dix dernières années de sa carrière sont caractérisées par des couleurs brillantes, des tableaux moins sérieux et le retour aux paysages. Il expérimentera les couleurs jusqu'à la fin de sa vie. Enfin, en 1949, l'Église catholique lui commande des vitraux pour l'église du Plateau d'Assy, en Haute-Savoie, France. En 1956, Rouault est trop fragile pour peindre et meurt en 1958 à l'âge de 87 ans. Il devient le premier artiste de l'histoire à bénéficier de funérailles nationales par le gouvernement français. En 1963, sa famille fait don à l'État français de près de 1 000 œuvres inachevées.

Paysage biblique avec deux arbres 1952

Paysage biblique avec deux arbres 1952

L'héritage de Georges Rouault


Rouault occupe une place particulière dans l'histoire de l'art moderne. Il a été le contemporain des cubistes, des fauvistes et des expressionnistes sans jamais rejoindre leurs rangs. Il a développé un style très individualiste mais, parce qu'il était un catholique passionné et qu'il représentait souvent des thèmes religieux, il n'a jamais été pleinement accepté en tant qu'artiste moderniste. Clement Greenberg l'a rejeté en disant en 1945 : "Que Rouault, représentant pictural du catholicisme pornographique, sadomasochiste et "d'avant-garde" de Léon Bloy, soit salué comme le seul peintre profondément religieux de notre époque est l'un des embarras de l'art moderniste". Il suscite la méfiance tant des modernistes, qui le trouvent trop conventionnel, que des écrivains religieux, qui trouvent que sa sensibilité religieuse n'est pas assez traditionnelle.


L'héritage de Rouault n'a commencé à être réévalué que dans les années 1980. Aujourd'hui, les critiques tendent à le considérer davantage comme un artiste qui a fait preuve d'une capacité unique à marier l'expérimentation moderniste avec la foi et la spiritualité. Son amitié avec des figures catholiques radicales ambiguës a également été recontextualisée dans la France du XXe siècle. L'accent est mis sur l'engagement de Rouault dans les questions sociales et politiques et sur le sort des groupes marginalisés. Son long procès a également créé un précédent dans l'histoire de la propriété et du droit d'auteur en France. La législation était favorable à l'artiste et stipulait qu'un artiste était propriétaire de son œuvre.


Il est intéressant de noter que l'œuvre de Rouault est très appréciée au Japon. Il est vénéré par les calligraphes japonais qui célèbrent ses lignes, le comparant aux plus grands calligraphes chinois. Un maître zen a même déclaré : "Les lignes de Rouault contiennent le poids de la vie". Les artistes japonais regardent au-delà de ses sujets et se concentrent sur la maîtrise du dessin de Rouault et sur sa profonde spiritualité
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