Symbolisme
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Symbolisme

Nov 10, 2022

Symbolisme

Début : 1880

Fin : 1910




Les débuts du symbolisme


Le symbolisme est né et a été codifié dans les œuvres des écrivains Gustave Kahn et Jean Moréas, qui ont utilisé le terme "symbolisme" pour la première fois en 1886. Ces écrivains rejettent le naturalisme d'Émile Zola et privilégient la subjectivité des poètes Stéphane Mallarmé et Paul Verlaine, qui exercent tous deux une grande influence. Mallarmé organisait des réceptions symbolistes tous les mardis dans son appartement ; il était ami avec de nombreux artistes symbolistes, dont Paul Gauguin, James Abbott McNeill Whistler, Odilon Redon et Edvard Munch.

Le symbolisme suit chronologiquement l'impressionnisme, mais il en est l'antithèse, car l'accent est mis sur la signification des formes et des couleurs. Il fait cependant écho aux sentiments des post-impressionnistes Vincent Van Gogh et Paul Gauguin, qui ont tous deux déploré le déclin spirituel du monde moderne. Des éléments du symbolisme apparaissent dans leurs œuvres, mais les principaux symbolistes s'intéressent davantage à la vie intérieure qu'à la réalité extérieure. Le symbolisme dans les arts visuels trouve ses sources dans l'importance accordée par le romantisme du début du XIXe siècle à l'imagination plutôt qu'à la raison, et dans les thèmes apparus pour la première fois dans Les Fleurs du Mal (1857) du poète Charles Baudelaire. Parmi les autres sources, citons les visions personnelles du peintre et poète William Blake, l'esthétisme de la confrérie préraphaélite en Angleterre et les mondes oniriques poétiques, allégoriques et sombres créés par Edward Burne-Jones, Dante Gabriel Rosetti et Pierre Puvis de Chavannes.

Le symbolisme était à bien des égards une réaction contre le moralisme, le rationalisme et le matérialisme des années 1880. Cette période de fin de siècle était une période de malaise - une maladie d'insatisfaction. Les artistes ressentaient le besoin de dépasser le naturalisme dans l'art, et comme d'autres formes d'art et de divertissement de l'époque, telles que le ballet et le cabaret, le symbolisme servait de moyen d'évasion.


La théorie symboliste et Albert Aurier


Une ramification du symbolisme littéraire qui a influencé les arts visuels est le domaine de la critique d'art, en particulier celle d'Albert Aurier. En 1891, il écrit, dans ce qui devient essentiellement un manifeste symboliste, que l'art doit être


1) Idéiste (Idéative) ... exprimant une idée

2) symboliste, car il exprime cette idée par la forme

3) Synthétique, car il exprime ces formes et ces signes d'une manière généralement compréhensible.

4) Subjective car l'objet ... n'est que l'indication d'une idée perçue par le sujet.

5) et par conséquent, elle sera également décorative ... puisque la peinture décorative est à la fois un art synthétique, symboliste et idéatif.



Le symbolisme : Concepts, styles et tendances


La période dans laquelle les symbolistes ont travaillé était marquée par la confusion concernant les attitudes morales, sociales, religieuses et intellectuelles. Le monde s'étendait au-delà des normes européennes ; le socialisme n'était plus constitué des intentions bienveillantes avec lesquelles il avait été créé. La relation entre l'amour et le mariage est remise en question, tout comme la religion. Les artistes, en particulier, ont le sentiment d'être isolés et séparés de la bourgeoisie. Pourtant, l'idée du spirituel était très importante dans le développement du symbolisme et reflétait les philosophies anti-matérialistes qui étaient concernées par le mysticisme (une connexion directe et une unité avec la réalité ultime). L'intérêt pour l'occulte était lié à ce concept, de même que le goût pour le morbide et la perversion, cette période étant souvent décrite comme celle de la "décadence" (une période de déclin artistique ou moral, comme en témoigne la préférence pour l'artificiel par rapport au naturel - et par extension, l'idée que même l'humanité était en déclin). Les œuvres de l'écrivain anglais Oscar Wilde et l'ouvrage À Rebours (Against Nature) (1884) de l'écrivain français Joris-Karl Huysman, ainsi que l'art de nombreux symbolistes, reflètent cette décadence.

Les artistes (et écrivains) symbolistes ont mis l'accent sur l'idée de l'art pour l'art en ce sens qu'ils étaient, pour la plupart, opposés aux applications utilitaires de l'art (c'est-à-dire différents des artistes de l'Art nouveau) et croyaient également que l'art n'avait pas à se rapporter à l'expérience quotidienne.


Symbolisme et synthétisme


Le synthétisme, en particulier, est nécessaire pour comprendre l'esthétique symboliste. Les artistes qui pratiquaient le synthétisme combinaient des éléments du monde réel ou empruntaient à d'autres œuvres d'art ou formes d'art pour créer de nouvelles réalités. Par exemple, parmi les tendances des symbolistes figurait l'intérêt pour l'assimilation de la musique dans l'art ; cette idée était influencée par le philosophe Arthur Schopenhauer qui concevait la musique comme une forme d'art communiquant directement son sens. Les artistes visuels ont imité cette caractéristique de la musique. Ils ont également utilisé des méthodes musicales pour organiser les compositions, comme l'utilisation de leitmotivs - des éléments répétitifs qui unifient l'œuvre. Les artistes symbolistes étaient particulièrement intéressés par la musique de Richard Wagner, qui croyait aux forces spirituelles de la musique et envisageait une unification radicale des arts. Ainsi, qu'il s'agisse d'œuvres visuelles ou auditives, les symbolistes ont tenté de transposer une expérience inarticulée dans une forme sensorielle compréhensible.



Symbolisme et Art nouveau


L'Art nouveau est considéré comme une sous-espèce du symbolisme. Les sujets de l'Art nouveau et du symbolisme se recoupent en grande partie (par exemple, les thèmes décadents de l'œuvre d'Aubrey Beardsley), mais l'Art nouveau est beaucoup plus spécifiquement un style ornemental basé sur la forme organique et appliqué à toutes les formes d'art, c'est-à-dire à tout objet qui peut être rendu "artistique", par exemple les bijoux, les meubles, etc. Il est difficile de retracer son origine, mais la plupart des spécialistes s'accordent à dire qu'il a débuté en Belgique avec l'œuvre de Victor Horta. Cependant, le style s'est rapidement internationalisé. L'objectif de l'Art nouveau était de créer une esthétique pouvant être appliquée à toutes les formes d'art et pouvant donc exister en harmonie avec les besoins de l'ère des machines et du monde moderne.


Aspects internationaux du symbolisme


La plupart des spécialistes considèrent le symbolisme dans les arts visuels comme une attitude à l'égard du sujet plutôt que comme un mouvement, comme c'était plus clairement le cas en littérature. La plupart des artistes symbolistes de la fin du XIXe siècle ont vécu les bouleversements sociopolitiques et moraux qui prévalaient à l'époque, ce qui a donné lieu à des symboles et des sujets personnels, spirituels, mystiques et souvent obscurs liés à la décadence perçue de l'époque. Les œuvres d'artistes de nombreux pays partagent cette vision à des degrés divers et proviennent de sources visuelles variées. Nous commencerons par la France, où le terme "symbolisme" a été utilisé pour la première fois pour décrire ce phénomène et où cette esthétique a été codifiée pour la première fois.


Le symbolisme en France


Les deux artistes symbolistes les plus remarquables en France sont Gustave Moreau et Odilon Redon. Moreau se tourne vers les artistes romantiques tels qu'Eugène Delacroix et l'exotisme en général. Redon a également été influencé par les romantiques dans sa création de mondes de rêves fantastiques, mais aussi par Francisco Goya, ce qui explique l'effet inquiétant de son travail.

1895 Jupiter et Sémélé Artiste : Gustave Moreau

1895
Jupiter et Sémélé
Artiste : Gustave Moreau

Les Nabis


Les Nabis (terme hébreu et arabe désignant les "prophètes" et, par extension, l'artiste en tant que "voyant") étaient un groupe symboliste fondé par Paul Sérusier et Maurice Denis en 1889 et basé sur son tableau Le Talisman de 1888. Bien qu'ils n'adhèrent pas aux mêmes opinions religieuses ou politiques que les autres symbolistes, les Nabis veulent être en contact avec une puissance supérieure ; ils pensent que l'artiste a le rôle d'un grand prêtre qui a le pouvoir de révéler l'invisible. Leur style s'inspire davantage de l'œuvre de Paul Gauguin, qui se manifeste par la planéité et la stylisation, bien que le sujet soit différent, axé sur les intérieurs domestiques, comme dans le cas d'Édouard Vuillard et de Pierre Bonnard. De nombreux artistes nabis ont publié dans la revue symboliste La Revue Blanche aux côtés de leurs homologues littéraires.

Photo d'une partie du groupe d'artistes Nabi

Photo d'une partie du groupe d'artistes Nabi

Le symbolisme et le rosicrucianisme


Les rosicruciens étaient un groupe d'artistes dirigé par l'écrivain Sar Joséphin Péladan, qui suivait les croyances occultes d'un prétendu visionnaire du 15e siècle, Christian Rosenkreuz. Ils rejetaient le matérialisme de l'époque et faisaient revivre l'art catholique et de la Renaissance, mais avec des accents mystiques et occultes. Pour ce groupe, l'art était une initiation à la révélation religieuse. Les œuvres qu'ils produisent prennent la forme d'allégories mystiques, mais sont stylistiquement plus traditionnelles. Les artistes Charles Filiger, Armand Point et Marcellin Desboutin sont associés à ce groupe symboliste et exposent dans les Salons de la Rose et de la Croix à Paris de 1892 à 1897. Ces salons sont importants dans la mesure où ils mettent en lumière le travail d'un certain nombre d'artistes originaires d'autres pays que la France.

Affiche du premier Salon de la Rose + Croix (1892) par Carlos Schwabe

Affiche du premier Salon de la Rose + Croix (1892) par Carlos Schwabe

Le symbolisme en Belgique


En Belgique, les deux artistes les plus importants sont Fernand Khnopff, dont l'œuvre conserve une certaine perversité, et James Ensor, plus idiosyncrasique et moins littéraire, qui étudie le symbolisme des masques.

1897 Death and the Masks Artist: James Ensor

1897
La mort et les masques
Artiste : James Ensor

Le symbolisme en Angleterre


Le symbolisme en Angleterre dans les années 1890 est visible dans l'œuvre de l'artiste Aubrey Beardsley et de l'écrivain Oscar Wilde, que l'on pourrait qualifier de "décadente", avec un accent sur l'érotisme. Beardsley a exploré des thèmes symbolistes tels que le monde onirique médiéval du roi Arthur, l'idée de la femme fatale, le matériel thématique du compositeur Richard Wagner et le dandysme. Le style de Beardsley, avec ses lignes élastiques, est toutefois plus proche de celui de l'Art nouveau, auquel il est également associé.


Le symbolisme dans d'autres pays


En Suisse, Arnold Böcklin a créé ses "paysages d'humeur", synthétisant les images issues de son imagination. Son compatriote Ferdinand Hodler a produit des œuvres, telles que Nuit (1896) et Jour (1899), qui se caractérisent par des figures plus illusoires et modelées ainsi que par l'utilisation de personnifications et d'allégories, plutôt que de symboles en tant que tels - bien que les postures et les gestes de ses figures semblent symboliser des états d'âme. En Italie, Giovanni Segantini a créé des visions mystiques des Alpes suisses. Un groupe important, quoique éphémère, d'artistes symbolistes est venu des Pays-Bas, notamment Jan Toorop et Johan Thorn Prikker, qui ont tous deux créé des tableaux symbolistes archétypaux. Des artistes symbolistes russes, tels que Leon Bakst, ont contribué à la création de dessins pour la scène. Parmi les exemples américains, citons Arthur B. Davies et Maurice Prendergast, qui ne partageaient que partiellement la vision symboliste, se tournant également vers d'autres styles, et Alfred Pinkham Ryder, qui, bien qu'il ait peint des allégories mystiques et sombres, est généralement considéré comme un artiste idiosyncrasique, non associé à un groupe particulier.

1893 The Three Brides Artist: Jan Toorop

1893
Les trois fiancées
Artiste : Jan Toorop


Développements ultérieurs - Après le symbolisme


La peinture symboliste ultérieure est mieux illustrée par les œuvres de Gustav Klimt et d'Edvard Munch. L'œuvre du premier représente davantage un aboutissement de l'art avant les effets de la Première Guerre mondiale, tandis que l'œuvre du second a été et continue d'être considérée comme moderne tout au long de sa carrière.


Le symbolisme de Gustav Klimt


En Autriche, le symbolisme est mieux représenté par l'œuvre de Gustav Klimt (également associé à l'Art nouveau), l'artiste progressiste qui est entré dans l'arène symboliste internationale en 1897 en fondant le groupe de la Sécession viennoise. Ce mouvement a entraîné le rejet du système des salons et d'autres organisations académiques afin de promouvoir la direction moderne et plus abstraite, qui a également entraîné un contenu plus controversé reflétant les récentes découvertes de Freud. En fait, de nombreux historiens ont commenté l'internationalisation rapide du style Art nouveau comme contribuant à supplanter celui des symbolistes. Compte tenu de l'éclectisme de ses multiples sources, son œuvre a été décrite comme "les derniers fruits de la récolte symboliste". Sa contribution au symbolisme réside dans le fait que nombre de ses œuvres, bien que symbolistes par leur sujet, visaient à unir les arts et l'artisanat d'une manière similaire à celle de l'esthétique Art nouveau, mais différente des autres artistes symbolistes qui s'intéressaient davantage à "l'art pour l'art".

1908-16 Death and Life Artist: Gustav Klimt

1908-16
La mort et la vie
Artiste : Gustav Klimt


Le symbolisme d'Edvard Munch


La Sécession de Berlin, en Allemagne, était plus conservatrice que celle d'Autriche, bien qu'elle ait organisé une exposition des œuvres plus avant-gardistes du peintre norvégien Edvard Munch. Contrairement à de nombreux autres symbolistes, Munch est resté toute sa vie un peintre prolifique, moderne et influent. Comme l'a écrit un critique à propos de l'œuvre de Munch : "bien avant qu'elle ne soit énoncée ailleurs, il a incarné la doctrine selon laquelle l'artiste moderne se met personnellement en danger dans son art - qu'en donnant vie à ses créations, il risque nécessairement la sienne". L'œuvre de Munch est symboliste dans la mesure où les significations sont dérivées des couleurs et des formes ; son œuvre va au-delà de celle des autres symbolistes dans la mesure où elle est plus expressive sur le plan formel et où elle utilise les postures et les gestes des personnages pour produire constamment de nouvelles significations.

1899-1900 The Dance of Life Artist: Edvard Munch

1899-1900
La danse de la vie
Artiste : Edvard Munch

Manifestations tardives du symbolisme


Les idées symbolistes tardives apparaissent dans le travail de l'artiste expressionniste Oskar Kokoschka dans des œuvres telles que La Fiancée du vent (1914), où il s'inspire du symbole bien connu des deux amants dans un bateau. Même le jeune Pablo Picasso, durant ses périodes bleue et rose, est essentiellement symboliste, lorsqu'il s'empare de sujets symbolistes tels que le clown comme symbole de l'étranger.


Cependant, dans les années qui précèdent la Première Guerre mondiale, le raffinement excessif et l'obscurité du symbolisme suscitent un mécontentement croissant, car de nombreux artistes souhaitent aller dans le sens du brut et du "primitif", dans l'espoir de faire naître un monde nouveau - même si la guerre fait partie de la réponse.

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