Willem de Kooning
News

Willem de Kooning

Nov 17, 2022

Willem de Kooning



Peintre et sculpteur américain 


Né : 24 avril 1904 - Rotterdam, Pays-Bas

Décédé : 19 mars 1997 - East Hampton, New York




Enfance et éducation


Willem de Kooning est né à Rotterdam aux Pays-Bas en 1904, et ses parents divorcent lorsqu'il a trois ans. Sa mère, Cornelia Nobel, tenait un bar et a élevé de Kooning en grande partie seule. Il trouve très tôt sa vocation artistique et quitte l'école à l'âge de douze ans pour faire un apprentissage dans une entreprise de design et de décoration commerciale. Il poursuit ensuite ses études à l'Académie des Beaux-Arts et des Techniques de Rotterdam. Au cours de cette période, de Kooning s'intéresse au Jugendstil, la variante allemande de l'Art nouveau, et ses formes organiques ont joué un rôle important dans l'élaboration de son premier style. Cependant, il s'éprend rapidement du mouvement hollandais De Stijl, qui met l'accent sur la pureté de la couleur et de la forme et qui conçoit l'artiste comme un maître artisan.

Après avoir vécu un an en Belgique en 1924, de Kooning retourne à Rotterdam avant de se rendre aux États-Unis en tant que passager clandestin, arrivant en Virginie en août 1926. Il se rend à Boston sur un bateau à charbon, puis travaille comme peintre en bâtiment à Hoboken, dans le New Jersey, avant de traverser le fleuve Hudson pour s'installer à Manhattan. Là, il travaille dans l'art commercial, conçoit des vitrines et produit des publicités pour la mode, un travail qui l'occupera pendant plusieurs années. De Kooning n'est toujours pas en mesure de se consacrer à l'art qu'il aime, mais il trouve la communauté d'artistes de New York trop précieuse pour la laisser derrière lui ; lorsqu'on lui propose un emploi salarié à Philadelphie, il fait remarquer qu'il préfère être pauvre à New York que riche à Philadelphie.

Plusieurs artistes ont joué un rôle important dans son développement au cours de ces premières années. Il apprécie l'exemple du modernisme urbain de Stuart Davis ainsi que les idées de John Graham, mais c'est Arshile Gorky qui exerce la plus grande influence stylistique sur de Kooning. Il se souvient : "J'ai rencontré beaucoup d'artistes, mais ensuite j'ai rencontré Gorky." Gorky avait passé des années à travailler à travers le cubisme de Picasso, puis le surréalisme de Miró avant d'atteindre son propre style mature, et dans les années suivantes, de Kooning suivra un chemin similaire ; hantant les halls du Metropolitan Museum ainsi que du Musée d'art moderne. Il a été impressionné par deux grandes expositions qu'il a vues au MoMA en 1936, Cubism and Abstract Art et Fantastic Art : Dada et le surréalisme, et il a été fortement influencé par une rétrospective Picasso organisée dans le même musée en 1939.


Première période

De Kooning travaille sur des projets pour la division murale de la Works Progress Administration de 1935 à 1937, et pour la première fois, comme beaucoup d'artistes américains, il peut se consacrer entièrement aux beaux-arts plutôt qu'à la peinture commerciale. Son réseau d'amis s'élargit et comprend le photographe Rudy Burckhardt, le critique de danse Edwin Denby et le critique d'art Harold Rosenberg, qui devient l'un des plus ardents défenseurs de de Kooning. En 1936, il fait partie de l'exposition New Horizons in American Art au MoMA.

Les hommes sont souvent les sujets de ses tableaux durant cette période et, bien qu'ils soient souvent posés de manière traditionnelle, les corps de figures telles que Le vitrier (vers 1940) sont radicalement déformés et les plans aplatis. De Kooning a souvent du mal avec certains détails de ses portraits - les cheveux, les mains et les épaules en particulier - ce qui l'incite à gratter la peinture et à retravailler certaines parties de ses tableaux, ce qui leur donne l'apparence d'être inachevés. À cette époque, il peint également des tableaux très abstraits, comme La Vague (vers 1942-1944), caractérisés par des formes plates et biomorphiques semblables à celles qui avaient attiré le jeune artiste vers le Jugendstil.

En 1938, de Kooning prend Elaine Fried comme étudiante ; elle devient sa femme en 1943 et, avec le temps, elle deviendra une critique éminente et une expressionniste abstraite à part entière. Les deux partagent une relation tumultueuse, alimentée par l'alcool, et leur mariage n'est pas conforme aux normes traditionnelles, chacun ayant des aventures extraconjugales. Après plusieurs liaisons, de Kooning a eu un enfant, Lisa, avec l'une de ses petites amies, Joan Ward, et lui et Elaine se sont séparés au milieu des années 1950, mais n'ont jamais officiellement divorcé.


Période de maturité


Au milieu des années 1940, De Kooning commence une série d'abstractions en noir et blanc, apparemment parce qu'il ne pouvait pas s'offrir des pigments coûteux et devait se tourner vers des émaux ménagers moins chers. Avec leur palette de couleurs réduite et l'aplatissement radical de l'espace pictural, ces abstractions, exposées à la Charles Egan Gallery en 1948, annoncent la montée de l'expressionnisme abstrait et contribuent à établir sa réputation. Il a continué à les travailler jusqu'à la fin de la décennie, permettant finalement à la couleur de réapparaître dans des œuvres ultérieures telles que Excavation (1950).

De Kooning est probablement plus connu pour ses peintures de femmes. Il y a travaillé sur une période de près de trente ans, à partir du début des années 1940, mais elles ont été exposées pour la première fois en 1953 à la Sidney Janis Gallery. Au centre de cette exposition se trouvait Woman I, un tableau que de Kooning a commencé en 1950 et achevé au cours de l'été 1952. Le processus de création du tableau a été rendu célèbre non seulement par une série de photographies prises par Rudy Burckhardt, mais aussi par l'article de Thomas B. Hess intitulé "de Kooning Paints a Picture", dans lequel il décrit le processus de création du tableau comme un voyage qui a nécessité des centaines de révisions, plusieurs abandons et recommencements, et qui n'a été achevé que quelques minutes avant que l'œuvre ne soit chargée dans le camion pour aller à la galerie.

De Kooning a transposé les techniques de peinture gestuelle qu'il a perfectionnées au cours de ses premières années d'existence en expérimentant divers médias, notamment la lithographie, comme dans Waves #2 (1960).

De Kooning a transposé les techniques de peinture gestuelle qu'il a perfectionnées au cours de ses premières années d'existence en expérimentant divers médias, notamment la lithographie, comme dans Waves #2 (1960).

Woman I a été achetée par le MoMA dans le cadre de l'exposition de la Janis Gallery, ce qui a confirmé son importance aux yeux de nombreux critiques, mais l'ensemble de la série de tableaux Women est devenu un sujet de controverse pour de nombreuses autres raisons. L'exposition de De Kooning en 1948 avait fait de lui le chef de file d'une nouvelle génération de peintres, qui semblaient vouloir supprimer le contenu narratif et la figuration de leurs tableaux. De Kooning a réintroduit la figure, et certains commentateurs - dont l'éminent critique Clement Greenberg - ont estimé qu'il s'agissait d'un retour en arrière.

De Kooning a transposé les techniques de peinture gestuelle qu'il a perfectionnées au cours de ses premières années d'existence en expérimentant divers médias, notamment la lithographie, comme dans Waves #2 (1960).

Si beaucoup ont perçu la figuration de de Kooning comme un brusque revirement, de Kooning a toujours peint de manière figurative et abstraite à la fois, et il a rejeté ces critiques de retour à la figure. Interrogé sur cette controverse en 1960 par le critique d'art David Sylvester, de Kooning a répondu : " D'une certaine manière, si vous prenez de la peinture avec votre pinceau et que vous faites le nez de quelqu'un avec, c'est plutôt ridicule quand on y pense, théoriquement ou philosophiquement. C'est vraiment absurde de faire une image, comme une image humaine, avec de la peinture aujourd'hui, quand on y pense, puisque nous avons ce problème de le faire ou de ne pas le faire. Mais tout à coup, c'est encore plus absurde de ne pas le faire. Je crains donc de devoir suivre mes désirs." De Kooning estimait qu'il ne fallait pas se restreindre à certaines manières de peindre, puisqu'au bout du compte, ce n'est que de la peinture sur une toile, qu'elle soit figurative ou abstraite, alors pourquoi ne pas peindre ce que l'on veut.

Les tableaux de De Kooning étaient également controversés en raison de la déformation expressive des personnages et lui ont valu la réputation d'être un misogyne. La critique anticonformiste Emily Genauer a écrit dans Newsday en 1969 : "[De Kooning] écorche [les femmes], les bat, les étire sur des râteliers, les dessine et les découpe en quartiers..... Ce n'est pas le mépris dans les œuvres de de Kooning qui me dérange, en soi. C'est l'absence de globalité et de diversité chez un grand talent qui semble s'être enchaîné à un totem lorgnant, aux yeux de lynx". Si beaucoup voient quelque chose de sinistre dans les intentions de De Kooning, les tableaux étaient, en partie, inspirés par les femmes à la mode de l'époque et les images de femmes dans les magazines populaires. De Kooning a expliqué à un intervieweur : "D'une certaine manière, je pense que les femmes des années 50 ont été un échec. Je vois l'horreur en elles maintenant, mais je ne le pensais pas à l'époque. Je voulais qu'elles soient drôles et qu'elles n'aient pas l'air si tristes et abattues comme les femmes des tableaux des années 30, alors je les ai rendues satiriques et monstrueuses, comme des sibylles." D'autres ont défendu la série comme des archétypes inspirés par le travail des anciennes idoles mésopotamiennes, des maîtres anciens et des artistes modernes. De Kooning, l'un des plus érudits de l'école new-yorkaise, était imprégné d'histoire de l'art et considérait l'Odalisque d'Ingres (1814) comme l'un des principaux antécédents de la série ; cependant, il était également prudent quant à l'établissement de la généalogie de la série, déclarant : "Je ne peins pas avec des idées d'art en tête. Je vois quelque chose qui m'excite. Cela devient mon contenu."

De Kooning est membre du club des artistes de la huitième rue, qui se réunit chaque semaine pour discuter de l'art et des idées, et il devient également un habitué de la Cedar Tavern, où il boit beaucoup. Il avait une relation de travail très étroite avec Franz Kline et était certainement l'influence la plus puissante sur le peintre. Il était moins proche de Jackson Pollock, même s'il l'admirait beaucoup et admettait être jaloux de son talent. Il pensait que Pollock possédait la terribilità de Michel-Ange, une capacité à produire un art d'une beauté sublime et impressionnante. Il s'est souvenu un jour que "plusieurs fois, [Pollock] m'a dit "tu en sais plus, mais j'en ressens plus"".

Malgré les controverses du début des années 1950, la réputation de de Kooning ne cesse de croître tout au long de la décennie, et à la fin de celle-ci, il se retrouve pour la première fois financièrement stable, achetant un terrain pour construire un studio à Springs, le petit hameau d'East Hampton, où Jackson Pollock avait vécu et où d'autres artistes avaient afflué.


Les dernières années et la mort


Thomas Hess a qualifié les décors des femmes de Kooning de " sans environnement ", indiquant leur espace ambigu, et ses grandes abstractions du milieu des années 1950 semblaient faire partie intégrante de l'environnement urbain sordide dans lequel vivait de Kooning. À la fin des années 1950, cependant, il commence à s'intéresser à un nouveau type de paysage. Il entame une série de Paysages abstraits de promenade (1957-61), qui s'inspirent du paysage vu d'une voiture en mouvement, et les Paysages abstraits de pastorale (1960-66), qui explorent son nouvel environnement dans un cadre plus rural, près de l'eau.

Sa vie personnelle se stabilise en conséquence. En 1962, il devient enfin citoyen américain, après avoir vécu aux États-Unis pendant trente-cinq ans, et en 1963, il s'installe définitivement à East Hampton, alors qu'il termine son grand atelier.

Les intérêts de De Kooning s'éloignent de la ville, mais ils ne deviennent pas nécessairement moins radicaux. Il s'était toujours tourné vers les maîtres anciens, plus que la plupart de ses pairs, et même sa série des Femmes conservait des racines dans le portrait traditionnel. Ses paysages pouvaient suggérer la tradition, mais ils étaient également très abstraits et ne faisaient parfois référence à leur inspiration que dans le titre. Ils se caractérisent par des gestes simples et audacieux semblables à ceux de Franz Kline, dont de Kooning était très proche. Et bien qu'elles aient attiré moins de notoriété que la série des Femmes, elles se sont avérées très influentes, notamment sur le travail du peintre californien Richard Diebenkorn avec la série Ocean Park.

À Long Island, de Kooning continue à peindre des femmes, mais il explore également de nouvelles voies. En 1969, lors d'un voyage à Rome, de Kooning se lance pour la première fois dans la sculpture et, tout au long des années 1970, il crée des œuvres dont le modelage grumeleux de l'argile est repris dans leur forme en bronze coulé. En 1968, de Kooning retourne en Hollande pour la première fois en quarante-deux ans pour sa propre rétrospective au Stedelijk d'Amsterdam, organisée par son ami Thomas Hess, qui sera également présentée à Londres, New York et Chicago.

Standing Figure (1972) de De Kooning est un exemple de ses incursions sculpturales des années 1970, dans lesquelles l'expressivité de ses peintures prend trois dimensions. Photo prise à Rotterdam, aux Pays-Bas.

Standing Figure (1972) de De Kooning est un exemple de ses incursions sculpturales des années 1970, dans lesquelles l'expressivité de ses peintures prend trois dimensions. Photo prise à Rotterdam, aux Pays-Bas.

Vivant et peignant à Long Island tout au long des années 1980, de Kooning crée de grandes œuvres abstraites aux tons vifs, avec des gestes plus simples et plus limités que ceux qui avaient caractérisé son style antérieur. Son travail continue de susciter des éloges et ressemble à l'œuvre d'un artiste encore en pleine possession de ses moyens. À la fin des années 1970, Elaine de Kooning revient dans la vie de son mari pour essayer de le remettre sur pied après des décennies de consommation excessive d'alcool. À la fin de la décennie, la mémoire de de Kooning commence à être gravement altérée, et il semble souffrir d'une démence de type Alzheimer. Après la mort d'Elaine de Kooning en 1989, Willem est placé sous la tutelle de sa fille, Lisa, jusqu'à sa mort en 1997, à l'âge de 92 ans.

L'œuvre qu'il a créée au cours de ses dernières années a suscité un débat considérable sur la nature de la créativité. Alors que le prix des œuvres de de Kooning ne cessait d'augmenter lors des ventes aux enchères, les avis étaient partagés quant à savoir si ses œuvres tardives étaient compromises par son incapacité mentale. Nombreux sont ceux qui ont affirmé, en tout cas en ce qui concerne les expressionnistes abstraits, que la créativité découlait davantage de l'intuition que de l'intellect et que la perte de mémoire n'affecterait probablement pas ses fonctions motrices bien ancrées, comme l'utilisation d'un pinceau.


L'héritage de Willem de Kooning


Alors que Jackson Pollock a été présenté comme le plus important et le plus influent des expressionnistes abstraits et qu'il a influencé des artistes comme Allan Kaprow, de nombreux jeunes peintres de l'époque ont trouvé que s'approprier le processus de peinture de Pollock avait tendance à produire des peintures qui ressemblaient à celles de Pollock. L'utilisation de la couleur et l'application gestuelle de la peinture par de Kooning, ainsi que son mépris des divisions entre abstraction et figuration, ont cependant inspiré d'innombrables peintres et ont conduit le critique formaliste Clement Greenberg à décrier ce qu'il a appelé la "Tenth Street touch" que de Kooning a engendrée. Grâce à l'exemple de de Kooning, des artistes tels que Larry Rivers et Grace Hartigan ont donné de nouvelles orientations à la peinture figurative, et des artistes tels que Al Held et Jack Whitten ont continué à expérimenter librement l'abstraction. Même les artistes qui ont tenté de prendre leurs distances avec la rhétorique existentielle entourant de Kooning, notamment Robert Rauschenberg, qui a tristement pris un des dessins de Kooning, l'a effacé et l'a finalement exposé comme sa propre œuvre (Erased de Kooning Drawing (1953)), ont trouvé des leçons dans l'œuvre de Kooning.

De Kooning dans son studio de New York en 1961, quelques années avant de s'installer définitivement à Springs, East Hampton.

De Kooning dans son studio de New York en 1961, quelques années avant de s'installer définitivement à Springs, East Hampton.

L'exubérance luxuriante de ses œuvres des années 1960 et 1970 ainsi que l'élégance des peintures des années 1980 n'ont peut-être pas reçu le même accueil critique que ses œuvres antérieures, mais l'influence de de Kooning sur les peintres reste néanmoins importante aujourd'hui encore, en particulier pour ceux qui sont attirés par les styles gestuels. Le travail hautement abstrait et érotique de l'éminente peintre Cecily Brown est inconcevable sans son exemple, et Amy Sillman a également recalibré l'histrionisme macho associé à l'expressionnisme abstrait dans ses peintures contemporaines.
Articles Liés
Primitivisme

Primitivisme

Plus
Cubisme synthétique

Cubisme synthétique

Plus
Cubisme analytique

Cubisme analytique

Plus

Laissez un commentaire

Votre adresse email ne sera pas publiée.