Art déco

 

Les débuts de l'Art déco

À la fin du XIXe siècle en France, de nombreux artistes, architectes et designers qui avaient joué un rôle important dans le développement du style Art nouveau ont reconnu que celui-ci devenait de plus en plus obsolète. À la fin d'un siècle marqué par la révolution industrielle, la vie contemporaine est devenue très différente de ce qu'elle était quelques décennies plus tôt. Il est temps de créer quelque chose de nouveau, quelque chose qui crie "20e siècle" sur les toits, avec goût et modernité.

La Société des artistes décorateurs en France

C'est à partir de ce désir d'entrer dans le nouveau siècle en suivant l'innovation plutôt qu'en étant freiné par la nostalgie qu'un groupe d'innovateurs artistiques français a formé une organisation appelée la Société des Artistes Décorateurs . Ce groupe se compose de personnalités connues, comme le dessinateur et graveur de style Art nouveau Eugène Grasset et l'architecte Art nouveau Hector Guimard, ainsi que d'artistes décorateurs et de designers émergents, comme Pierre Chareau et Francis Jourdain. L'État français a soutenu et encouragé cette orientation de l'activité artistique.

L'un des principaux objectifs du nouveau groupe était de remettre en question la structure hiérarchique des arts visuels qui reléguait les artistes décoratifs à un statut inférieur à celui des artistes plus classiques de la peinture et de la sculpture. Jourdain est célèbre pour avoir déclaré : "Nous avons donc résolu de rendre à l'art décoratif, inconsidérément traité comme une Cendrillon ou un parent pauvre autorisé à manger avec les domestiques, la place importante, presque prépondérante, qu'il occupait dans le passé, à toutes les époques et dans tous les pays du globe". Le projet d'une grande exposition présentant un nouveau type d'art décoratif a été conçu à l'origine pour 1914, mais a dû être suspendu jusqu'à la fin de la Première Guerre mondiale, puis repoussé pour diverses raisons jusqu'en 1925.

L'exposition qui a officiellement lancé le mouvement

Le gouvernement français, qui accueille l'exposition entre l'esplanade du dôme doré des Invalides et les entrées du Petit Palais et du Grand Palais, de part et d'autre de la Seine, s'efforce de mettre en valeur le nouveau style. Plus de 15 000 artistes, architectes et designers exposent leurs œuvres à l'occasion de l'exposition. Pendant les sept mois de l'exposition, plus de 16 millions de personnes ont visité les nombreuses expositions individuelles. Cette exposition a été le catalyseur du début du mouvement.

 

Art nouveau et Art déco

L'Art déco est une réponse esthétique et philosophique directe au style Art nouveau et au phénomène culturel plus large du modernisme. L'Art nouveau a commencé à tomber en désuétude pendant la Première Guerre mondiale, de nombreux critiques estimant que les détails élaborés, les dessins délicats, les matériaux souvent coûteux et les méthodes de production de ce style n'étaient pas adaptés à un monde moderne stimulant, instable et de plus en plus mécanisé. Alors que le mouvement Art nouveau tirait ses formes complexes et stylisées de la nature et exaltait les vertus de l'artisanat, l'esthétique Art déco mettait l'accent sur la rationalisation et la géométrie épurée de l'ère de la machine.

Art déco et modernisme

L'Exposition internationale a rassemblé non seulement des œuvres de style Art déco, mais aussi des objets artisanaux à proximité d'exemples de peintures et de sculptures d'avant-garde dans des styles tels que le cubisme, le constructivisme, le Bauhaus, De Stijl et le futurisme. Dans les années 1920, l'Art déco était un contrepoint exubérant, mais largement répandu, à l'esthétique plus cérébrale du Bauhaus et de De Stijl. Ces trois esthétiques ont en commun de mettre l'accent sur des lignes pures et fortes en tant que principe d'organisation du design. Les praticiens de l'Art déco ont adopté l'innovation technologique, les matériaux modernes et la mécanisation et ont tenté de les mettre en valeur dans l'esthétique générale du style lui-même. Les praticiens ont également emprunté et appris d'autres mouvements modernistes. L'Art déco a été considéré par des admirateurs qui étaient en phase avec les perspectives d'avenir des mouvements d'avant-garde contemporains. Ironiquement, la peinture et la sculpture modernistes ont joué un rôle secondaire dans l'exposition, à l'exception du pavillon soviétique et du pavillon Esprit Nouveau de Le Corbusier.

 

L'Art déco après la Grande Dépression

Le début de la deuxième phase de l'Art déco coïncide avec le début de la Grande Dépression. En fait, l'austérité pourrait être l'esthétique centrale, pour des raisons à la fois pragmatiques et conceptuelles, de cette seconde évolution de l'Art déco. Alors que l'architecture Art déco, par exemple, était orientée verticalement avec des gratte-ciel grimpant à des hauteurs vertigineuses, les derniers bâtiments Art déco, avec leurs extérieurs généralement dépourvus d'ornements, leurs courbes gracieuses et leurs accents horizontaux, symbolisaient la robustesse, la dignité tranquille et la résilience. Pendant les pires années du désastre économique, de 1929 à 1931, l'Art déco américain est passé du statut de suiveur de tendances à celui de créateur de tendances.

Streamline Moderne

Le Streamline Moderne est devenu le prolongement américain du mouvement Art déco européen. Au-delà des influences économiques et philosophiques sérieuses, l'inspiration esthétique des premières structures Streamline Moderne a été les bâtiments conçus par les partisans du mouvement de la Nouvelle Objectivité en Allemagne, issu d'une association informelle d'architectes, de designers et d'artistes allemands qui s'était formée au début du 20e siècle.Les artistes et architectes de la Nouvelle Objectivité ont été inspirés par le même type de pragmatisme sobre qui a contraint les partisans du Streamline Moderne à éliminer les excès, y compris l'émotivité de l'art expressionniste. Les architectes de la Nouvelle Objectivité se sont attachés à produire des structures qui pouvaient être considérées comme pratiques, comme reflétant les exigences de la vie réelle. Ils préféraient que leurs projets s'adaptent au monde réel plutôt que d'obliger les autres à s'adapter à une esthétique peu pratique. À cette fin, les architectes de la Nouvelle Objectivité ont même été les pionniers de la technologie de la préfabrication (qui a permis de loger rapidement et efficacement les pauvres d'Allemagne).

Dépourvue d'ornement, l'architecture Streamline Moderne se caractérise par des courbes nettes, de longues lignes horizontales (y compris des bandes de fenêtres), des briques de verre, des fenêtres en forme de hublot et des formes cylindriques et parfois nautiques. Plus que jamais, l'accent est mis sur l'aérodynamisme et d'autres expressions de la technologie moderne. Les matériaux plus coûteux et souvent exotiques de l'Art déco ont été remplacés par le béton, le verre et la quincaillerie chromée du Streamline Moderne. La couleur est utilisée avec parcimonie, le blanc cassé, le beige et les tons de terre remplaçant les couleurs plus vives de l'Art déco. Le style a d'abord été introduit dans l'architecture, puis étendu à d'autres objets, de la même manière que le style Art déco traditionnel.

L'Art déco est nommé rétroactivement

À l'origine, le terme "Art déco" était utilisé de manière péjorative par un célèbre détracteur, l'architecte moderniste Le Corbusier, dans des articles où il critiquait le style pour son ornementation, une caractéristique qu'il considérait comme inutile dans l'architecture moderne. Les partisans du style l'ont salué comme une réponse dépouillée et moderniste à l'excès d'ornementation, notamment par rapport à son prédécesseur immédiat, l'Art nouveau, car toute décoration était superflue pour Le Corbusier. Ce n'est qu'à la fin des années 1960, lorsque l'intérêt pour ce style a été ravivé, que le terme "Art déco" a été utilisé de manière positive par l'historien et critique d'art britannique Bevis Hillier.

L'Art déco et les États-Unis

Aux États-Unis, la réception du mouvement Art déco a suivi une trajectoire différente. Herbert Hoover, le secrétaire américain au commerce de l'époque, a décrété que les designers et architectes américains ne pouvaient pas exposer leurs œuvres à l'Exposition internationale, car il estimait que le pays n'avait pas encore conçu un style d'art distinctement américain qui soit satisfaisant et "suffisamment nouveau". En guise d'alternative, il a envoyé une délégation en France pour évaluer les œuvres présentées à l'Exposition, puis pour appliquer ce qu'ils ont vu à un style artistique et architectural américain contemporain. Le contingent d'émissaires esthétiques envoyé par Hoover comprenait des personnalités importantes de l'American Institute of Architecture, du Metropolitan Museum of Art et du New York Times. La mission a suscité un essor presque immédiat de l'innovation artistique aux États-Unis.

Art déco - Exposition universelle de Chicago

En 1926, une version réduite de l'exposition française, intitulée "A Selected Collection of Objects from the International Exposition Modern, Industrial and Decorative Arts" (Une collection choisie d'objets de l'Exposition internationale des arts modernes, industriels et décoratifs), a été présentée dans de nombreuses villes américaines telles que New York, Cleveland, Chicago, Détroit, Saint-Louis, Boston, Minneapolis et Philadelphie. Les expositions universelles américaines de Chicago (1933) et de New York (1939) ont fait la part belle à l'Art déco, tandis qu'Hollywood a adopté cette esthétique et l'a rendue glamour dans tout le pays. Même des entreprises américaines telles que General Motors et Ford ont construit des pavillons à l'exposition universelle de New York.

Jose Maria Sert : Peintures murales du progrès américain (1937)

Les gratte-ciel et autres bâtiments de grande taille comptent parmi les exemples les plus connus du style Art déco américain. En fait, l'itération américaine de l'Art déco dans la conception des bâtiments a été qualifiée de moderne en zigzag en raison de ses motifs angulaires et géométriques dans les façades architecturales élaborées. Toutefois, dans l'ensemble, l'Art déco américain est souvent moins ornemental que son prédécesseur européen. Au-delà des lignes épurées et des courbes fortes, des formes géométriques audacieuses, de la richesse des couleurs et de l'ornementation parfois somptueuse, la version américaine est plus dépouillée. Lorsque des influences importantes telles que la Nouvelle Objectivité et le Style international de l'architecture, ainsi que les graves revers économiques de la fin des années 1920 et du début des années 1930, ont commencé à s'exercer sur l'esthétique de l'Art déco, le style est devenu beaucoup moins somptueux. Par exemple, cette transformation peut être symbolisée par le remplacement de l'or par le chrome, de la nacre par la bakélite, du granit par le béton, etc.

Art déco - Exposition universelle de New York

Le style Art déco américain s'est développé comme une célébration du progrès technologique, y compris la production de masse, et une foi retrouvée dans le progrès social. Par essence, ces réalisations peuvent être considérées comme un reflet de la fierté nationale. Dans les années 1930, sous l'égide de la Works Progress Administration (WPA) de Roosevelt, de nombreuses œuvres ont été créées dans le style Art déco, qu'il s'agisse de structures municipales telles que des bibliothèques et des écoles ou d'immenses fresques murales publiques. La WPA avait pour but de relancer l'économie américaine d'après-guerre en créant des emplois dans le secteur des travaux publics, et cherchait à servir la communauté en créant des emplois et en inculquant les valeurs américaines dans le domaine du design. L'utilisation de l'Art déco américain a donc permis d'exprimer la démocratie par le biais du design. Certains matériaux souvent utilisés dans la création de l'Art déco étaient coûteux et donc hors de portée de l'homme moyen. Cependant, l'utilisation de matériaux nouveaux ou bon marché a permis de produire une large gamme de produits abordables, et a ainsi fait entrer la beauté dans la sphère publique d'une nouvelle manière. L'Art déco a inspiré la conception et la production d'un large éventail d'objets - des couvertures de magazines et des publicités colorées aux articles fonctionnels tels que les couverts, les meubles, les horloges, les voitures et même les paquebots.

Philco Modèle 41-230T Radio de table, cabinet en bakélite, deux bandes (1941)

L'essor mondial de l'Art déco

Le style Art déco s'est imposé dans des capitales mondiales aussi diverses que La Havane, Mumbai et Jakarta. La Havane s'enorgueillit d'un quartier entier construit dans le style Art déco. Le système ferroviaire du métro londonien intègre largement ce style. Le port de Shanghai compte plus de cinquante structures Art déco, dont la plupart ont été conçues par le Hongrois Laszlo Hudec. Des monuments de guerre aux hôpitaux, des villes aussi lointaines que Sydney et Melbourne, en Australie, se sont également imprégnées de ce style phénoménal.

Art déco : concepts, styles et tendances

Les principales caractéristiques visuelles de l'Art déco découlent de l'utilisation répétitive de formes linéaires et géométriques, notamment des formes triangulaires, zigzagantes, trapézoïdales et à chevrons. À l'instar de son prédécesseur, l'Art nouveau, lorsque des objets tels que des fleurs, des animaux ou des figures humaines sont représentés, ils sont fortement stylisés et simplifiés afin de respecter l'esthétique générale de l'Art déco. La nature et l'étendue de la stylisation et de la simplification ou du dépouillement varient en fonction de l'itération régionale du style. Par exemple, une figure comme L'oiseau de feu (1922) du designer français René Lalique est élégamment élancée et atténuée, tandis que l'Atlas (1937) de Lee Lawrie à l'extérieur du Rockefeller Center est solide et robuste avec une musculature nettement linéaire, bien que tous deux soient considérés comme de belles représentations du style déco.

René Lalique: Victoire (1928)

Conformément à l'importance accordée par le mouvement à la technologie moderne, les artistes et les designers de l'Art déco ont exploité des matériaux modernes tels que le plastique, la bakélite et l'acier inoxydable. Mais lorsqu'une touche de richesse et de raffinement était nécessaire, les créateurs incorporaient des matériaux plus exotiques tels que l'ivoire, la corne et la peau de zèbre. Comme pour l'Art nouveau et les mouvements Arts and Crafts, le style Art déco a été beaucoup moins appliqué aux formes d'expression visuelle traditionnellement les plus élevées : la peinture et la sculpture.

Le design

Le style Art déco a exercé son influence sur les arts graphiques d'une manière qui révèle l'influence du futurisme italien, avec son amour de la vitesse et son adoration de la machine. Les artistes futuristes utilisaient des lignes pour indiquer le mouvement, connues sous le nom de "moustaches de vitesse", qui se détachaient des roues des voitures et des trains roulant à vive allure. En outre, les praticiens de l'Art déco ont utilisé des lignes parallèles et des formes effilées qui suggèrent la symétrie et la rationalisation. La typographie a subi l'influence internationale de l'Art déco et les caractères Bifur, Broadway et Peignot rappellent immédiatement ce style.

Giuseppe Figoni et Ovidio Falaschi : Delahaye 135M Figoni & Falaschi Competition Coupe (1935)

En termes d'imagerie, les formes simples et les grandes surfaces de couleur unie rappellent les gravures sur bois japonaises, qui sont devenues une source d'influence majeure pour les artistes occidentaux, en particulier en France, après la fin de la période isolationniste d'Edo en 1868. L'afflux d'œuvres d'art japonaises en Europe a eu un impact considérable. Les artistes ont notamment trouvé dans la simplicité formelle des gravures sur bois un modèle pour créer leurs propres styles modernes, à commencer par les impressionnistes.

Le mobilier

Jusqu'à la fin des années 1920, le mobilier d'avant-garde en France était principalement constitué de variations du style Art nouveau, mais simplifié et moins curviligne. Au cours de la décennie, Émile-Jacques Ruhlmann s'est imposé comme le plus grand créateur de meubles (Ruhlmann avait son propre pavillon à l'Exposition de 1925). Si ses créations s'inspirent principalement de pièces du XVIIIe siècle produites dans le style néoclassique, il élimine une grande partie de l'ornementation tout en utilisant des matériaux exotiques prisés par les créateurs de l'Art nouveau, tels que l'acajou, l'ébène, le palissandre, l'ivoire et l'écaille de tortue. Bien entendu, ses pièces étaient souvent trop chères pour être acquises par des personnes autres que les plus fortunées.

Emile-Jacques Ruhlmann: État Cabinet (1922)

Contrairement aux créations somptueuses de Ruhlmann, qui semblaient être à cheval sur les styles Art nouveau et Art déco, le créateur de meubles définitivement Art déco en France était Jules Leleu. Il était un créateur traditionnel jusqu'à ce que le nouveau style supplante l'Art nouveau et il est connu pour la conception de la grande salle à manger du palais de l'Élysée à Paris et des luxueuses cabines du pont de première classe de l'élégant paquebot Normandie.

Contrairement à Leleu et Ruhlmann, Le Corbusier était partisan d'une version très épurée et sans ornement du style Art déco, créant souvent des meubles adaptés aux intérieurs austères de ses propres structures architecturales. Son intention était de concevoir des prototypes, en particulier des chaises, qui pourraient être produits en série et donc accessibles à un marché plus large. Il convient également de noter que la décoration intérieure de Donald Deskey pour le célèbre monument de New York, le Radio City Music Hall, est un excellent exemple de mobilier américain de style Art déco, qui est encore intact dans sa forme originale aujourd'hui.

L'architecture

L'architecture Art déco se caractérise par des conceptions aux arêtes vives, souvent richement embellies, accentuées par des accents métalliques étincelants. Beaucoup de ces bâtiments sont verticaux, construits de manière à attirer le regard vers le haut. Les formes rectangulaires, souvent en blocs, sont disposées géométriquement, avec l'ajout de flèches sur les toits et/ou d'éléments ornementaux courbes pour donner un effet aérodynamique. Les gratte-ciel de New York et les bâtiments aux couleurs pastel de Miami comptent parmi les exemples américains les plus célèbres, bien que le style ait été déployé dans une variété de structures à travers le monde.

William Van Alen : Chrysler Building (achevé en 1930)

Aux États-Unis, la Works Progress Administration a permis à l'architecture Art déco de s'imposer. Il est intéressant de noter que la fusion de l'Art déco et du classicisme des Beaux-Arts, que l'on retrouve dans de nombreux travaux publics de l'époque de la Dépression, est connue sous le nom de PWA Moderne ou Depression Moderne.

Développements ultérieurs - Après l'Art déco

L'Art déco est tombé en désuétude pendant les années de la Seconde Guerre mondiale en Europe et en Amérique du Nord, l'austérité du temps de guerre faisant paraître le style de plus en plus criard et décadent. Les métaux étaient récupérés pour être utilisés dans la construction d'armements, plutôt que pour décorer des bâtiments ou des espaces intérieurs. Les meubles n'étaient plus considérés comme des objets de prestige. D'autres avancées technologiques ont permis de produire à moindre coût des articles de consommation de base, ce qui a fait disparaître le besoin et la popularité des designers de l'Art déco.

Un mouvement qui, à bien des égards, cherchait à rompre avec le passé, est aujourd'hui devenu un classique nostalgique dont on se souvient avec tendresse. Depuis les années 1960, l'intérêt pour ce style n'a cessé de croître. Des échos de l'Art déco sont visibles dans le design moderne du milieu du siècle, qui reprend l'esthétique épurée de l'Art déco et revisite la simplicité du Bauhaus. Le style déco a également contribué à inspirer le groupe Memphis, un mouvement de design et d'architecture centré sur Milan dans les années 1980. Memphis s'est également inspiré du Pop art et du Kitsch pour ses créations colorées et délibérément postmodernes.