Caravaggio PEINTRE ITALIEN   Né : 29 septembre 1571 - Caravaggio, Lombardie  Décès : 18 juillet 1610 - Porto Ercole, Lombardie
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Caravaggio

Jun 14, 2022

Caravaggio

PEINTRE ITALIEN

Né : 29 septembre 1571 - Caravaggio, Lombardie

Décès : 18 juillet 1610 - Porto Ercole, Lombardie



Enfance

Les informations biographiques fiables sur le Caravage sont rares et celles qui existent ont été rassemblées à partir des registres des tribunaux et des municipalités et d'autres documents. Enfant, le Caravage était connu sous le nom de Michelangelo Merisi, en référence à sa naissance le jour de la fête de l'archange Michel. L'artiste a grandi entre la paisible ville agricole de Caravaggio, en Lombardie, et la ville animée de Milan, où son père, maître tailleur de pierre, travaillait. Bien que de statut social inférieur, la famille de Caravaggio avait des liens avec l'élite. La tante de Caravaggio avait servi de nourrice aux enfants de la noblesse milanaise des Sforza, et des membres de la famille Sforza, notamment le marquis Francesco I Sforza di Caravaggio et son épouse, Costanza Colonna, ont assisté au mariage des parents de Caravaggio en 1571. Costanza Colonna soutiendra plus tard l'artiste lors de ses nombreuses fuites de la loi, bien qu'elle n'ait jamais acquis personnellement un tableau.

En août 1576, alors que le Caravage a cinq ans, Milan est frappée par une épidémie de peste bubonique. Bien que l'artiste et sa famille se soient retirés dans la campagne de Caravaggio, en octobre 1577, son père, ses grands-parents paternels et son oncle étaient tous morts de la peste. En 1592, à l'âge de 21 ans, Caravaggio avait également perdu sa mère et son plus jeune frère. Les terres familiales sont divisées entre les frères et sœurs restants et vendues. Caravage part définitivement pour Milan où il subvient à ses besoins en peignant des portraits.


Formation et travail de jeunesse

Il est probable que le Caravage se soit lancé dans sa carrière artistique armé d'une connaissance des peintres de la Renaissance. L'historien de l'art David M. Stone note que l'œuvre du Caravage trahit l'influence de nombreux maîtres italiens, dont Savoldo, Moretto, Lotto, Palma Vecchi, Titien, Giorgione et Léonard de Vinci. Le Caravage a très certainement reçu une certaine forme d'éducation classique et connaissait les textes clés de son époque. Comme l'a démontré l'historienne de l'art Sharon Gregory, le Caravage aurait étudié les Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes, depuis Cimabue jusqu'à nos jours, publiées par Giorgio Vasari en 1550, et aurait utilisé le texte de Vasari comme source d'inspiration et de motivation pour certains de ses tableaux.

Milan, à la fin du XVIe siècle, est une ville dangereuse et violente, et donc un lieu propice à la tentation et à la provocation d'un jeune artiste sans racines, traumatisé et peut-être impétueux. Après avoir été impliqué dans un meurtre, l'artiste s'est enfui à Rome en 1592 ou 1593 et y est resté jusqu'en 1606. Il y passe plusieurs mois en tant qu'assistant de l'artiste Giuseppe Cesari, un fresquiste populaire. Alors qu'il travaillait pour Cesari, Caravage peignait principalement des fleurs et des fruits en arrière-plan, il a tiré de cette expérience un sens du détail et une affection pour les nuances des natures mortes qui se manifestent dans l'exécution précise des fruits et de la flore dans ses œuvres ultérieures.

Après son assistanat auprès de Cesari, le Caravage entre en contact avec son futur mécène, le cardinal Francesco Maria del Monte. Del Monte a soutenu Caravaggio en lui fournissant le logement, la nourriture et des commandes artistiques, et en l'introduisant dans les cercles de collectionneurs d'art. À l'instar de del Monte, d'autres collectionneurs romains d'élite, tels que le marquis Vincenzo Giustiniani, sont attirés par les sujets des premières œuvres du Caravage : célébrations de la musique, natures mortes et représentations sensuelles de jeunes hommes androgynes, comme Amor Vincit Omnia (1602), qui représente un cupidon nu et réaliste sur des symboles de guerre, de science, de musique et de littérature. Ces œuvres de genre et profanes constituent son entrée dans le prestigieux mécénat romain et le catapultent vers la renommée artistique.

Le cardinal Francesco Maria del Monte a été l'un des plus importants mécènes du Caravage à ses débuts.

Le cardinal Francesco Maria del Monte a été l'un des plus importants mécènes du Caravage à ses débuts.


Période de maturité

En 1599, le cardinal del Monte l'aide à obtenir sa première grande commande de travaux publics, la décoration de la chapelle Contarelli de l'église de San Luigi dei Francesci avec des scènes de la vie de saint Matthieu. Une deuxième nomination, pour peindre les murs latéraux de la chapelle Cerasi de Santa Maria del Popolo avec la crucifixion de Saint Pierre et la conversion de Saint Paul, suivit bientôt. Avec ces commandes, l'artiste se lance dans la réinterprétation radicale des figures divines qui deviendra la marque de fabrique de sa carrière. Caravaggio humanise les individus divins en les faisant passer pour des gens de la classe inférieure. De cette manière, le Caravage a critiqué et subverti les figures immaculées et idéalisées de la Renaissance italienne et des traditions classiques romaines. La Mort d'une vierge (1601-1606) et Judith décapitant Holopherne (1602) sont des exemples de cette approche. Ce dernier tableau a profondément influencé d'autres artistes, notamment Artemisia Gentileschi, qui a créé un certain nombre d'images sur le même sujet. Les peintures religieuses du Caravage ont reçu des critiques très mitigées, le réalisme des œuvres et la juxtaposition de personnages saints avec des intérieurs modernes du XVIIe siècle ayant enflammé certains critiques. En effet, de nombreuses œuvres du Caravage ont été rejetées par les institutions commanditaires en raison de représentations blasphématoires ou indécentes.

Le Caravage a choqué ses contemporains en présentant des représentations réalistes et humanisées de personnes, plutôt que des figures idéalisées, même dans ses scènes bibliques telles que la Mort de la Vierge (1601-06).

Le Caravage a choqué ses contemporains en présentant des représentations réalistes et humanisées de personnes, plutôt que des figures idéalisées, même dans ses scènes bibliques telles que la Mort de la Vierge (1601-06).

Le séjour de Caravage à Rome s'achève de manière dramatique. Les archives judiciaires indiquent que Caravage a été impliqué dans une myriade d'accidents et de mésaventures de plus en plus violents, et qu'il a souvent été protégé des poursuites par des témoins réticents à confirmer l'implication de l'artiste par crainte de représailles de la part de ses influents et éminents mécènes. Dans l'un des épisodes les plus colorés, le 24 avril 1604, Caravage a déclenché une bagarre avec un serveur à propos de sa commande de huit artichauts cuits, au cours de laquelle l'artiste a fracassé le visage de l'homme avec une assiette. Le tempérament de Caravage, ses démêlés avec la justice et ses actes violents atteignent leur paroxysme le 28 mai 1606, lorsque Caravage assassine son ancien ami Ranuccio Tomassoni, probablement dans le cadre d'un duel. Caravage s'enfuit de Rome avant que des accusations formelles de meurtre ne soient portées contre lui ; il est condamné à un exil indéfini de la ville, à une condamnation pour meurtre et à une peine capitale qui permet à quiconque dans les États pontificaux de recevoir une récompense monétaire pour l'avoir tué.


Période tardive

L'artiste passe ensuite neuf mois dans la ville de Naples, contrôlée par les Espagnols, où il arrive en septembre 1606. C'est à cette époque que le Caravage commence à expérimenter davantage la couleur et le contraste, en s'inspirant de peintres vénitiens tels que Titien. En 1607, Caravage se rend à Malte et il est probable que le général Fabrizio Sforza Colonna, fils de sa protectrice Costanza Colonna, lui garantit un passage sûr. Pendant son séjour à Malte, le Caravage connaît un grand succès et une grande notoriété et, le 14 juillet 1608, il est investi dans l'Ordre des Chevaliers de Malte. Ses œuvres de cette période sont caractéristiques : il commence à peindre avec des coups de pinceau de plus en plus rapides et utilise davantage les teintes brun-rouge.

Un mois après avoir reçu son titre, Caravage est impliqué dans une violente bagarre armée au domicile de l'organiste de l'église conventuelle de Saint-Jean. Ces troubles ont entraîné la détention criminelle de Caravage, son évasion de prison et sa fuite à Syracuse à l'automne 1608. Les Chevaliers de Malte ont ensuite révoqué les honneurs de l'artiste par contumace le 1er décembre 1608. Caravaggio se déplace de Syracuse à Messine, puis à Palerme et enfin à Naples en 1609. À Naples, des hommes armés ont tailladé le visage de l'artiste pour des raisons inconnues, laissant Caravaggio avec des blessures presque mortelles. Après cet événement, il reste en convalescence au palais de Constanza Colonna jusqu'en juillet 1610. Le Caravage tente alors de retourner à Rome après avoir appris que l'un de ses éminents mécènes lui a obtenu le pardon du pape. Mais à son arrivée à Palo, il est arrêté par erreur et mis en prison pendant deux jours. Peu après sa libération, le 18 juillet 1610, le Caravage meurt d'une fièvre, probablement de la malaria, à l'âge de 39 ans.


L'héritage du Caravage

Le Caravage a été tour à tour identifié comme un exemple du style maniériste tardif ou comme un précurseur de l'ère baroque. Bien que seules vingt et une œuvres aient été définitivement attribuées à l'artiste, le Caravage a exercé une influence artistique considérable, tant à son époque qu'aujourd'hui. Dès 1605, d'autres artistes romains ont commencé à imiter son style et, peu de temps après, des artistes étrangers, tels que Rembrandt et Diego Velázquez, ont incorporé les effets de lumière dramatiques du Caravage dans leurs propres œuvres marquantes. Le style du Caravage a rapidement fait des adeptes, les "Caravaggisti", qui ont imprégné leurs compositions des qualités de l'œuvre du Caravage. Les peintures du Caravage ont également inspiré d'importants poètes de son époque, comme le cavalier Giambattista Marino.

Malgré les éloges qu'il a reçus de son vivant et immédiatement après, l'héritage du Caravage a été pratiquement oublié au XVIIIe siècle, à l'exception de quelques peintres néoclassiques comme Jacques-Louis David. La fascination moderne et contemporaine pour l'artiste est en grande partie due aux efforts de l'historien de l'art italien Roberto Longhi, dont l'exposition milanaise de 1951 et la monographie sur le Caravage qu'il a rédigée en 1952 ont rendu l'artiste au grand public et cimenté son statut actuel. Les éléments théâtraux des images du Caravage et son éclairage cinématographique permettent un transfert facile au cinéma et des réalisateurs tels que David LaChapelle et Martin Scorsese l'ont cité comme une influence dans leurs films. Ils ont ainsi canalisé la puissance et la franchise des images du Caravage en utilisant ses représentations de corps imparfaits et sa capacité à créer un récit à partir du point culminant pour immerger les spectateurs dans leur propre moyen de narration. Aujourd'hui, le Caravage est considéré comme l'un des plus étonnamment "modernes" des grands maîtres.

La sexualité du Caravage continue d'être contestée, avec des œuvres comme Amor Vincit Omnia (1602), et d'autres tableaux qui présentent des images sensuelles et séduisantes de jeunes hommes partiellement ou entièrement nus.

La sexualité du Caravage continue d'être contestée, avec des œuvres comme Amor Vincit Omnia (1602), et d'autres tableaux qui présentent des images sensuelles et séduisantes de jeunes hommes partiellement ou entièrement nus.

Au-delà des innovations en matière de composition, l'héritage du Caravage a également été lié au contenu ostensiblement homosexuel de ses peintures, qui est un signe de sa propre homosexualité potentielle. L'interprétation des jeunes hommes androgynes, sensuels et partiellement vêtus ou nus de Caravage à travers le prisme du désir homosexuel est une question contestée au sein de la recherche sur Caravage. Certains auteurs, comme Donald Posner et Graham L. Hammill, déclarent sans équivoque que ces œuvres représentent des représentations de la sensualité et de la séduction homosexuelles. D'autres auteurs, comme Creighton Gilbert et David Carrier, notent que les évaluations actuelles du contenu homoérotique de l'œuvre de l'artiste attribuent de manière anachronique aux 16e et 17e siècles, les codes et les idées du 20e siècle sur la sensualité et la signification des images.
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