Arshile Gorky
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Arshile Gorky

Jan 29, 2023

Arshile Gorky


Dessinateur et peintre arménio-américain


Naissance : 15 avril 1904 - près de Van, Turquie

Décès : 21 juillet 1948 - Sherman, Connecticut


Enfance


On ne sait pas exactement quand Arshile Gorky est né. L'année 1904 est largement acceptée comme l'année de sa naissance, mais la date précise reste un mystère car l'artiste a pris l'habitude de changer son anniversaire, année après année, alors qu'il résidait à New York. Enfant, l'artiste a survécu au génocide du peuple arménien par les Turcs ottomans. Sa famille ayant été déplacée et dispersée, la mère de Gorki est morte de faim dans les bras de l'artiste en 1919. Son père, cependant, avait échappé au service militaire turc en passant aux États-Unis en 1908 et en s'installant à Providence, dans le Rhode Island. Gorki rejoint son père en 1920, à l'âge de 15 ans, après avoir quitté le territoire ravagé par la guerre de l'Empire russe effondré.

L'artiste et sa mère (c. 1926-36)

L'artiste et sa mère (c. 1926-36)

Formation initiale


Arshile Gorky est resté un artiste largement autodidacte avant son immigration aux États-Unis. Il s'inscrit à la New School of Design de Boston, qu'il fréquente de 1922 à 1924. Sa nouvelle maison lui permet de découvrir les discours du modernisme artistique, dont les pères fondateurs, tels que le peintre post-impressionniste français Paul Cézanne, exerceront une grande influence sur le travail de Gorki au cours de cette période de formation. Vers 1925, Gorki s'installe à New York, où il pénètre rapidement dans le milieu artistique émergent et bénéficie d'une introduction toujours plus large aux tendances artistiques du moment, notamment aux innovations révolutionnaires de Pablo Picasso ainsi qu'aux premiers travaux du peintre surréaliste espagnol Joan Miró.

Staten Island (1927)

Staten Island (1927)

C'est à New York que Gorki rencontre et développe une amitié personnelle et artistique avec des artistes tels que Stuart Davis et d'autres émigrés, dont l'Ukrainien John Graham (né Ivan Gratianovich Dombrowsky) et le Néerlandais Willem de Kooning. Le climat d'échange artistique constant de New York s'est avéré propice à la formation du style précoce de Gorki, qui s'appuyait fortement sur la méthode de composition de Cézanne et les formes cubistes synthétiques de Picasso. La palette colorée des Fauves et des expressionnistes européens a également eu une influence déterminante sur l'artiste.

Pendant son séjour à New York, Gorki s'inscrit à la National Academy of Design et à la Grand Central School of Art, où il enseigne également jusqu'en 1931. C'est également à cette époque que l'artiste change de nom, passant de Vosdanik Adoyan à Arshile Gorky, afin de se détacher de la perception négative des réfugiés arméniens aux États-Unis. Ce changement a également été effectué pour revendiquer un certain lien avec le milieu artistique russe. Pendant un certain temps, Gorki a même prétendu être un parent de l'éminent écrivain soviétique Maxim Gorki, qui jouissait d'une renommée considérable en Occident. En outre, le nom d'Arshile était une forme du nom du héros d'Homère, Achille, et Gorky était un mot russe signifiant "l'amer". Compte tenu de l'histoire personnelle de Gorki et de la prévalence, pendant et après la Seconde Guerre mondiale, de la philosophie existentielle qui appelle les humains à prendre la responsabilité de créer leur propre sens, le nom et le personnage qu'il a choisis semblent appropriés.

Les caractéristiques essentielles de son premier style se sont cristallisées au cours de ses cinq premières années à New York : des paysages et des natures mortes inspirés de Cézanne à un rendu plus plat et plus expérimental de la surface, influencé par le cubisme synthétique (moins fragmenté et plus coloriste) de Picasso et de son collègue innovateur Georges Braque. Le degré d'assimilation de ces influences par Gorki dans ses premières œuvres reflète directement le contexte artistique poreux de la scène new-yorkaise de l'époque, qui offrait une plateforme d'expérimentation et d'innovation permanentes.

Organisation (1933-36)

Organisation (1933-36)

La période de maturité


Dans les années 1930, l'œuvre de Gorki commence à être reconnue par le public. En 1930, il fait partie de l'exposition collective des artistes émergents réunie par Alfred Barr, Jr, le directeur influent du Museum of Modern Art de New York. L'année 1931 marque la première exposition personnelle des peintures de Gorki aux Mellon Galleries de Philadelphie. De 1935 à 1941, l'artiste, aux côtés de De Kooning, travaille dans le cadre de la Works Progress Administration du Federal Art Project, une initiative gouvernementale majeure visant à fournir du travail aux artistes à l'époque de la Grande Dépression. L'un des projets conçus par Gorki pour la WPA est le groupe de peintures murales de l'aéroport de Newark, dans le New Jersey. Toujours en 1935, quatre des peintures de Gorki sont incluses dans la célèbre exposition organisée par le Whitney Museum of American Art, intitulée Abstract Painting in America, qui attire l'attention des critiques et du public sur l'artiste. En 1938, Gorki organise sa première exposition personnelle à New York, aux Boyer Galleries.

L'aviation : Evolution des formes sous les limites aérodynamiques (1937)

L'aviation : Evolution des formes sous les limites aérodynamiques (1937)

Dans les années 1940, les peintures de Gorki prennent une toute nouvelle direction : son style mature ressemble aux idées et aux formes surréalistes importées d'Europe (bien que l'artiste ait évité le recours à l'inconscient des surréalistes), ainsi qu'à une technique innovante d'application de la peinture qui anticipe, voire inspire, la méthode de l'Action Painting des peintres expressionnistes abstraits de la décennie suivante.

Le changement de style dans l'œuvre de Gorki se comprend mieux si l'on analyse l'école de New York des années 1940, qui a été précipitée par un afflux important d'artistes et d'intellectuels européens venus s'installer dans la ville avant et pendant la Seconde Guerre mondiale. Parmi ces personnes figuraient Josef Albers et Hans Hofmann, qui avaient fui l'Allemagne nazie et s'étaient établis à New York en tant que professeurs d'art et théoriciens influents ; Erwin Panofsky, père fondateur de la discipline académique de l'histoire de l'art dans sa forme moderne, qui enseignait aux universités de New York et de Princeton ; l'éminent peintre surréaliste allemand Max Ernst ; le principal théoricien du mouvement surréaliste André Breton, qui avait fui le Paris occupé ; et Piet Mondrian et Fernand Léger, qui avaient pour seul bagage leurs modes picturaux uniques. La confluence de ces individus a fait de New York un terrain artistique toujours plus turbulent et diversifié, où se sont mêlés les noms emblématiques de la peinture moderne, avec toute sa variété de styles, et a préparé la voie à l'émergence d'un style de peinture new-yorkais inimitable connu sous le nom d'expressionnisme abstrait.

Jardin à Sotchi (1943)

Jardin à Sotchi (1943)

Il convient de noter que si Gorki a été tributaire d'influences extérieures tout au long de sa carrière, il n'a jamais copié directement ses sources. Au contraire, il les examinait minutieusement pour en dégager la structure et la signification, sélectionnant des éléments qui pouvaient ensuite être assimilés dans son propre travail. Apprenti de la première tradition moderniste, Gorki est devenu un maître à part entière, son œuvre servant de pont entre les Européens d'avant-guerre et les Américains d'après-guerre. Un exemple de son importance est qu'André Breton a activement courtisé Gorky pour qu'il rejoigne le mouvement du surréalisme. Gorki a même permis à Breton de nommer certaines de ses peintures. Plus tard, Gorki, personnalité solitaire, s'est dissocié de Breton, et le mouvement surréliste - pour cette raison, ou pour d'autres - s'est dissous.


Dernières années et mort


En 1941, Gorki épouse Agnes Magruder, de vingt ans sa cadette, et le couple aura deux filles. Malheureusement, le mariage est entaché par une tragédie. En janvier 1946, le studio de Gorki, installé sur la propriété de sa femme dans le Connecticut, brûle, détruisant la plupart des œuvres de l'artiste. Un mois plus tard, on diagnostique un cancer chez l'artiste, qui dévaste son bien-être physique et émotionnel. On découvre rapidement qu'Agnès a une liaison avec Roberto Matta, ami et collègue de Gorki, ce qui entraîne la rupture du couple et le déménagement d'Agnès avec les enfants. Peu de temps après, Gorki a eu un accident de voiture qui a aggravé la détérioration de sa santé. La conjonction de ces circonstances tragiques a conduit l'artiste à se suicider le 21 juillet 1948 par pendaison dans sa maison du Connecticut.

Agonie (1947)

Agonie (1947)

L'héritage d'Arshile Gorky


Bien qu'il soit généralement considéré comme un expressionniste abstrait, Arshile Gorky devrait plutôt être considéré comme un précurseur direct des expressionnistes abstraits. Sa combinaison des esthétiques expressionniste et surréaliste a exposé les artistes new-yorkais à des moyens novateurs d'assimiler les styles modernistes européens prédominants de l'époque. En tant que force majeure derrière l'émergence du mouvement expressionniste abstrait, Gorki a contribué à faire de New York un important centre artistique et, par extension, des États-Unis la capitale culturelle du monde de l'après-guerre.

Le foie est le peigne du coq (1944)

Le foie est le peigne du coq (1944)


En particulier, Gorki a entretenu une étroite amitié personnelle et professionnelle avec De Kooning. On pense que Gorky a initié De Kooning à l'insertion d'éléments picturaux personnels dans ses œuvres. En outre, l'approche de Gorki dans l'assemblage de ses compositions, apparemment spontanée mais soigneusement planifiée, est devenue un modèle méthodologique pour de nombreux expressionnistes abstraits, dont De Kooning et Jackson Pollock, dont le travail au pinceau farouchement énergique et apparemment non structuré était souvent soigneusement conçu par le biais d'une série d'esquisses préliminaires. L'accent mis par Gorki sur le processus de la peinture - comme il le disait lui-même, "toujours commencer à peindre, ne jamais finir de peindre" - a également eu une grande influence sur Pollock et les expressionnistes abstraits.

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